Tradicije ruske glasbene umetnosti. Tradicije ruske ljudske pesmi. Mihail Ivanovič Glinka

Značilnosti zgodovinskega razvoja

17. stoletje izstopa kot ena najpomembnejših stopenj v razvoju zgodovine ruske države. V 17. stoletju v ruskem družbenem življenju in kulturi se dogajajo velike spremembe in preobrazbe. Te preobrazbe je povzročil konec razvoja srednjeveške Rusije in začetek nove dobe, povezane z zahodnoevropsko kulturo, kar je privedlo do trka dveh različnih sistemov mišljenja in posledičnih konfliktov. Spremembe so vplivale na vse vidike življenja v Rusiji v 17. stoletju, vključno s kulturo in umetnostjo. Pot razvoja ruske kulture v 17. stoletju. križala z zahodno Evropo. V ruski umetnosti, ki se je v srednjem veku do druge polovice 17. stoletja razvijala izolirano, so se pojavile nove oblike zahodnoevropske umetnosti. Način ruskega življenja se postopoma spreminja.

Procesi zgodovinskega razvoja v 17. stoletju. zaznamujejo socialni konflikti. Sredi 17. stol. Ruska država se krepi in širi, hkrati pa postopoma prihaja do zasužnjevanja kmetov, zaradi česar se uveljavlja tlačanstvo, ki je dolga leta močno obremenjevalo rusko kmečko ljudstvo. To je povzročilo nezadovoljstvo, nemire in kmečke vojne.

XVII stoletje postala ena najbolj dramatičnih strani ruske zgodovine. Njen začetek so spremljali neugodni zunanjepolitični dogodki 1 - »čas težav« - leta težkih časov, ki so jih spremljale nenehne vojne, ki so državo vodile v propad. Lakota in izpad pridelka, notranja nasprotja, upori mestnih nižjih slojev, kmečka vojna pod vodstvom Ivana Bolotnikova (1606) in boj proti poljski intervenciji so značilni za razmere na začetku stoletja.

Nič manj dramatični dogodki so povezani z drugo polovico 17. stoletja, ki so jo zaznamovali razkol ruske cerkve in gibanje starovercev, kmečka vojna pod vodstvom Stepana Razina in strelski nemiri.

Reforme Petra I. so vnesle velike spremembe v običajen način ruskega življenja. Uspešne vojne so okrepile rusko državo, prispevale k dvigu narodne samozavesti ruskega ljudstva in vodile sredi 17. st. okrepiti moč Rusije. V tem času je Rusija vključevala Ukrajino, regijo Volga, pomemben del Sibirije in Daljnega vzhoda. Mnogi dogodki 17. stol. so se odražale v ljudski umetnosti, v zgodovinskih pesmih - pesmih svobodnjakov, sestavljenih v spomin na kmečkega voditelja Stepana Razina, veliko pesmi je bilo o Ermaku, Griški Otrepjevu in umorjenem carjeviču Dimitriju, o Petru I.

Rusija XVII stoletje doživela dolge vojne, opustošenje in resne vladne transformacije. Podobna situacija se v tem času razvija povsod. V 17. stoletju Poteka boj proti protireformaciji, v številnih evropskih deželah se krepi ljudsko gibanje za narodno osvoboditev. Poseben obseg je dobil v Ukrajini, ki se je končal s ponovno združitvijo Ukrajine z Rusijo leta 1654.

Glasbeno življenje v 17. stoletju

Glasbeno življenje tega časa je večplastno in protislovno. V njem se prepletajo in spopadajo novi in ​​stari pojavi, srednjeveške dogmatske ideje z novimi evropskimi. Tako je leta 1648 car Aleksej Mihajlovič izdal odlok o izgonu norcev in celo uničenju njihovih glasbil: "Zažgite posode sreče!" (Takšnih navodil knezi niso dajali niti v globokem srednjem veku.) Toda kmalu se je po ukazu istega Alekseja Mihajloviča v Moskvi odprlo prvo dvorno gledališče, ki je obstajalo štiri leta (1672-1676).

Glasbila so v Rusijo prinesena z Zahoda. Ne samo na dvoru, tudi bojarji so začeli muzicirati v »nemškem slogu«, razsvetljeni zahodnjaki so začeli imeti orgle, klavikorde, flavte in violončela. V 17. stoletju V Moskovski Rusiji so se začele razvijati nekultne oblike domačega muziciranja - psalmi in pesmi.

Od začetka 17. stol. Ustvarjalnost ruskih pevcev se krepi, pojavljajo se številni izvirni napevi in ​​napevi lokalnega izročila, širijo se severni napevi: soloveški, tihvinski, novgorodski, usolski in južni - kijevski, bolgarski, grški. Nadaljnji razvoj v 17. stol. najde teorijo znamennega zapisa, ki je vodila do reform, ki sta jih najprej izvedla Ivan Shaidur in nato Aleksander Mezents. Oba sta si prizadevala razjasniti višino tona znakov: Shaidur je uvedel cinobaritne znake, Mezenets je uvedel znake, ki so omogočili dešifriranje znamenskega zapisa v našem času.

Zgodovina glasbe 17. stoletja. razdeljen na dve polovici; prvi je še povezan s tradicijo srednjega veka, vendar se v tem času že vnašajo elementi, ki ustrezajo novemu duhu časa. Od druge polovice 17. stol. (s prihodom ukrajinskih pevcev v Moskvo leta 1652) se je začela nova stopnja v razvoju ruske glasbe, ki jo je zaznamoval pojav petvrstične (kijevske) notacije in polifonije harmoničnega evropskega tipa.

V drugi polovici 17. stol. Ruski glasbeniki se seznanijo z zahodnoevropsko glasbeno kulturo, z njeno teorijo in prakso, kompozicijskimi tehnikami in novimi glasbenimi žanri. V burnih razpravah se oblikuje nova estetika umetnosti. Rojevajo se polemične razprave privržencev stare in nove umetnosti.

Oblikovanje novega sloga je potekalo v okviru cerkvene glasbe. Izkazalo se je, da je njegova izjava neposredno povezana z reformami patriarha Nikona. Za privržence starih obredov je bila nova umetnost zahodnega stila tuja, tuja kultura, nasprotovala je izvirnemu starodavnemu ruskemu kanonu.

17. stoletje je prelomnica; kot vse prelomnice je tudi ta konfliktna. Nova estetika umetnosti v 17. stoletju. v nasprotju s starim. Ta konflikt se izraža v umetnosti in celo v jeziku. Teološki, jezikovni, jezikovni problemi - spori o novih prevodih svetih knjig pod patriarhom Nikonom - so bili v središču konflikta med zagovorniki starega (staroverci, staroverci) in novega obreda. Spremljal jih je konflikt, ki ga je povzročil spopad stare in nove umetnosti. Zagovorniki starega obreda, ki so afirmirali stare ideale, so v parteški glasbi videli razmah ideološkega sovražnika - katolicizma - katoliškega vpliva 2. Zagovorniki nove umetnosti afirmirajo nov estetski standard. Zahodna umetnost je postala tudi referenčna točka za ruske glasbenike poznega 17. stoletja. Zahod se začne dojemati drugače: za prvake nove umetnosti (N. Diletsky, I. Korenev, S. Polotsky, I. Vladimirov) zahodna kultura postane standard. Prizadevajo si za uporabo, ponavljanje, kopiranje najboljših zahodnih zgledov. Za podpornike stare kulture, »gorečnike starodavne pobožnosti«, je vse zahodno tuje, postane predmet zanikanja in zavračanja (nadduhovnik Avvakum, Aleksander Mezenets itd.).

Načela baročnega sloga so razvita v estetiki in sistemu prepričanj zahodnih glasbenikov in teoretikov. Diletsky in Korenev obsojata svoje nasprotnike nevednosti, zavračata Znamenno petje, njegovo teorijo in notacijo, afirmirata novo vrednostno vodilo. Bistveno nov v primerjavi s srednjeveškim je bil pojem glasbe (musicia), ki se je enako uporabljal tako za instrumentalno kot za vokalno glasbo. Diletsky in Korenev priznavata potrebo po uporabi orgel pri izobraževanju glasbenikov, zlasti skladateljev.

Nasprotje teh kultur in njun odkrit spopad sta povzročila nepomirljiv konflikt, ki je kmalu sledil. Ta konflikt dobe, ki se odraža v starovercih, je pretresel celotno rusko kulturo druge polovice 17. stoletja. Prelom, ki se je v njem zgodil, se je pokazal tako v glasbi kot v literaturi, likovni umetnosti, liturgiki in v načinu življenja.

Nova glasba je bila simbol nove religiozne zavesti, vendar boj ni potekal le v sferi ideologije in teoloških sporov, temveč se je vsebinsko izražal v umetniški ustvarjalnosti, v glasbeni polemiki. Glasba Partes je bila povezana z zahodno, katoliško kulturo. "V Moskvi pojejo pesmi in ne božje petje v latinščini, njihovi zakoni in predpisi pa so latinski: mahajo z rokami in kimajo z glavami in teptajo z nogami, kot je običajno med latinskimi študenti na orglah" 3 - to tako nadsveštenik Avvakum obsoja novo petje latinskega, zahodnega sloga, ki se je razširilo po moskovskih cerkvah v 17. stoletju. "Ničesar ni za poslušati - plesalci norcev pojejo v latinščini," se pritožuje 4 .

Želja po ohranjanju in ohranjanju kulture starih časov je bila na splošno značilna za številne osebnosti 17. stoletja, ki so se držale konzervativnih in zaščitnih teženj. D. S. Lihačov vidi v tovrstni »restavratorski« dejavnosti znamenje novega časa. Ta vrsta "obnovitvenih" pojavov vključuje tudi novo sistematizacijo znamenih notnih znakov v ABC. Na primer, v "Obvestilu o soglasnih oznakah" starejšega Mezeneta niso bile uvedene le oznake, ampak tudi znaki, ki so poenostavili branje kavljev. V isto vrsto pojavov sodi tudi popravljanje knjig in petje besedil »za govor« ter boj proti večglasju.

Značilnosti razvoja ruske umetnosti 17. stoletja. in je prav v dialoškem razvoju kulture. Staro, ne da bi umrlo, sobiva z novim. Z umirjanjem umetnostnih in zgodovinskih procesov se nadalje razvija po dveh poteh: ena je pot širokih stikov z zahodnoevropsko kulturo, ki poteka sinhrono z razvojem evropskih umetnostnih stilov, druga pa je pot ohranjanja antičnega. tradicija v skupnostih starovercev, ki so svojo umetnost in stara izročila varovali pred zunanjimi vplivi v treh stoletjih 5 . V tem času so se znašli v izjemnem položaju, saj so bili nosilci stare vere in stare kulture, obkroženi s hitro razvijajočo se novo umetnostjo, bili so varuhi antike.

Razmere v drugi polovici 17. stoletja. blizu razmeram 11. stol. Tako kot v Kijevski Rusiji v 10.-11. v 17. stoletju trčili dve različni kulturi - poganska in bizantinska. staroruska srednjeveška kultura pride v konflikt z zahodnoevropsko kulturo. V 17. stoletju nasprotja teh dveh kultur so izpostavljena, nastane nasprotje - "staro" in "novo". S »starim« je povezano starodavno, v stoletjih blagoslovljeno srednjeveško kanonično glasbeno izročilo, z »novim« pa barok, partesna polifonija zahodnega tipa. Staro monodično, znamensko petje, podobno kot starodavno ikonopisje - na videz ravno, enodimenzionalno, je bilo v nasprotju z volumetrično, polifonično umetnostjo baroka. Ustvarja nov občutek prostora. Njegova tekstura, bujna, večplastna, zračna, daje občutek gibanja, značilen za vse zvrsti umetnosti baroka.

Pod vplivom vseh pretresov in sprememb v 17. stol. Temelji srednjeveškega pogleda na svet se začnejo majati. V polemikah med pristaši stare in nove umetnosti se postopoma oblikuje nova estetika. Zamenjava ene slogovne smeri z drugo je potekala v intenzivnem boju, ki ga je povzročilo resno prestrukturiranje svetovnega nazora. Prehod iz umetnosti srednjega veka v umetnost baroka je bil povezan s krepitvijo posvetnega načela, aktivnim razvojem novih glasbenih zvrsti in oblik ter novim tipom glasbenega mišljenja.

Pot razvoja ruske polifonične glasbe v baročni dobi (od sredine 17. do sredine 18. stoletja) je presenetljiva s svojo hitrostjo. Kar je zahodna umetnost obvladala v 700 letih, je Rusija obvladala v stotih. V Rusiji so takoj vcepljene tradicije zahodnoevropskega baroka, vendar v ruski različici. Mlada, energična, sveža baročna umetnost očara s svojo lepoto, bogastvom in polnokrvnimi barvami. Polizborni koncerti, ki so se najprej razširili v Ukrajini in nato v Moskovski Rusiji, so poslušalce navdušili z neslutenim sijajem.

Baročna umetnost poznega 17. - prve polovice 18. stoletja. je povezan s pojavom partes koncertov (iz latinščine partis - zabava), tako imenovanih, ker so jih za razliko od enoglasnega ruskega petja peli v delih. Baročna doba v Rusiji je bila povezana s hitrim razcvetom polifonije. Po tako dolgi vladavini monodije, ki je trajala skoraj 700 let, se začne obdobje prevlade polifonije. Partes polifone skladbe s 4, 8, 12 - nastanejo do 48 glasov, dela z 12 glasovi pa postanejo norma. Razvijajo se tehnike harmoničnega in polifonega pisanja. Od sredine 17. stol. uveljavlja se nov slog partesnega petja, ki ustreza baroku, ki se uteleša v partesnih harmonizacijah starodavnih napevov, avtorskih skladb, spevov, psalmov in koncertov.

Koncertno petje, prineseno v Moskovsko Rusijo iz Ukrajine, je bilo produkt evropske kulture. Iz Nemčije in Italije preko Poljske prodre v Ukrajino, nato pa v Moskvo. Ta pot je bila naravna za tisto obdobje 17. stoletja, ko so številni zahodni vplivi v umetnosti prihajali v Rusijo predvsem iz Poljske preko Ukrajine.

Jugozahodni vpliv v Moskovski Rusiji

Sredi 17. stol. Neposredne vezi Rusije z Zahodno Evropo se močno okrepijo, 6 vendar se je v tem času izkazal še posebej pomemben vpliv ukrajinsko-beloruskega razsvetljenstva, ki se je okrepil po priključitvi Ukrajine k Rusiji (leta 1654). Združitev Ukrajine z Rusijo je prispevala k preobrazbi ruske kulture. Kot del poljsko-litovske skupne države je Ukrajina obvladala številne značilnosti katoliške poljske kulture. V začetku 17. stol. V Ukrajini se pod vplivom poljske kulture oblikujejo nove oblike umetniškega mišljenja, ki so neposredno povezane z zahodnoevropskim vplivom, predvsem italijanskim. Poljska kultura prek ukrajinskih glasbenikov iz sredine 17. stoletja. začne aktivno vplivati ​​na kulturo Moskovske Rusije.

Sredi 17. stol. Ukrajinski in beloruski znanstveniki, pevci in pisarji se preselijo v Moskvo. Med njimi sta bila ukrajinski filolog, prevajalec, učitelj in pisec slovarjev Epifanij Slavinetski ter beloruski pesnik in dramatik Simeon Polocki, ki je zasedel vidno mesto na moskovskem dvoru kot učitelj kraljevih otrok.

Zahvaljujoč dejavnostim teh vzgojiteljev se odprejo nove izobraževalne ustanove - šole, fakultete 7. Ena od teh ustanov je bila Slovansko-grško-latinska akademija (1687), ki je služila kot visokošolska ustanova, v kateri so veliko pozornosti posvečali filologiji, jezikom in poeziji. Največje kulturno središče je bil novojeruzalemski samostan vstajenja, ki ga je ustanovil patriarh Nikon. Kot ugotavlja Yu. V. Keldysh, je bila vloga tega samostana zelo pomembna; tukaj so "nastali in našli podporo novi trendi na področju poezije in cerkvenega petja, novi glasbeni in pesniški žanri" 8.

Petju v Ukrajini je bilo vedno namenjeno glavno mesto. Ukrajinci so bili v 16. in 17. stoletju po naravi zelo glasbeni. hitro izboljšal svoje pevske sposobnosti, k čemur je prispeval boj med pravoslavjem in katolicizmom. Na ukrajinsko glasbo je močno vplivala poljska glasbena kultura. Union 9 iz leta 1596 je olajšal vstop latinskega petja v zbor. To je imelo še posebej močan učinek v jugozahodnem delu Ukrajine, kjer so politična prevlada Poljske, verska odvisnost unijatov od Rima in kulturne vezi s Poljsko omogočile širjenje zahodnoevropske glasbe.

Prodiranje poljskega vpliva so močno olajšale številne južnoruske bratovščine, ki so tekmovale s katoliškim vplivom in med seboj. Boj proti poljskemu katoliškemu vplivu je prisilil ukrajinske pevce, da so se učili novega petja in uporabljali orožje svojih nasprotnikov. Znano je npr., da je lvovska bratovščina sredi 16. st. pošiljal uradnike v Moldavijo, da bi se učili grških in srbskih napevov, galicijska mesta pa so pošiljala uradnike, da bi se učili cerkvenega petja v Romunijo.

Polifonično "organsko-vokalno" petje, to je posnemanje zvoka orgel, petje je bilo v Rusiji dojeto kot "latinska herezija", skušnjava 10. Namesto prejšnjih duhovnih pesmi so se peli psalmi in pesmi, pogosto v poljščini. Uprizoritvena estetika se je spremenila. Stroge in zadržane melodije Znamennega napeva so zamenjale ekspresivne »milozvučne« melodije. Razliko med stiloma ukrajinskega in moskovskega petja je najbolje pokazal arabski pisatelj Pavel Alep, ki je v letih 1654-1656 obiskal Ukrajino in Moskvo: »Petje kozakov veseli dušo in zdravi od žalosti, saj je njihova melodija prijetna, prihaja iz srca in se izvaja kot samo z ustnic; strastno ljubijo glasbeno petje, nežne sladke melodije." V moskovskem "irmoloinu" - enoglasnem petju je bil P. Alepsky presenečen nad nagnjenostjo Rusov k nizkim moškim glasovom: "Njihov najboljši glas je grob, debel, nizek, ki ne daje užitka poslušalcu. Tako kot mi menijo, da je to slabost, zato imajo našo visoko melodijo za nespodobno. Posmehujejo se Kozakom zaradi njihovih pesmi, češ da so to melodije Frankov in Poljakov" 11.

V Ukrajini v 17. stol. Pojavlja se nov stil izrazitega petja, nastajajo nove vrste monodičnih napevov. Ukrajinski pevski rokopisi 17. stoletja. - Irmologioni so polni napevov lokalnih napevov. Njihova imena so najpogosteje povezana s krajem njihovega izvora in razširjenosti v Ukrajini - Volyn, Lviv, Ostrog, Slutsk, Kremenets, Podgorsky. Včasih so njihovi napevi povezani z lokalno samostansko tradicijo petja, najpogosteje z velikimi samostani - Suprasl, Kijev-Pechersk, Mezhigorsky, Kuteinsky. Toda najpogostejši, ki so postali splošno znani v Moskvi, so bili trije - kijevski, bolgarski in grški. Očitno so jih s seboj prinesli ukrajinski pevci, ki so v 50. letih prišli v Moskvo. XVII. stoletja, zlasti iz pevske šole samostana Kijevske bratovščine, katere ustanovitelj je bil slavni ukrajinski pedagog in politična osebnost Lazar Baranovič.

Kijevski, bolgarski in grški napevi so bili napisani v kijevski notaciji; bili so povezani s sistemom osmoglasa in so imeli nekatere skupne slogovne značilnosti, po katerih so se razlikovali od znamenskega napeva. To so bile kitične pesmi, ki so temeljile na večkratnem ponavljanju melodij kitic z različnimi besedili. V novih napevih se je pojavila strogo določena metričnost in ritmična periodičnost, kar jih je približalo napevom in psalmom, ki so imeli značilnosti evropske melodičnosti, lirične spevnosti in celo plesnosti. Tako se postopoma spreminja estetika staroruske pevske kulture. Namesto strogega znamenskega napeva z neskončno razvijajočo se, kot da bi se vzpenjajočo melodiko brez metra, prihajajo metrične, preprostejše in spevljive, melodične, lahko zapomniljive melodije.

Napevi bolgarskega napeva se odlikujejo po izraznosti in melodičnosti 12 . Njen ritem je simetričen, navadno se prilega štiritaktnemu metru, besedilo je zmerno skandirano, čeprav pogosto najdemo tudi velike znotrajzložne speve.

Za grško petje 13 sta značilna jedrnatost in preprostost. Melodije grškega petja so melodične in recitativne, s simetričnim ritmom. Združujejo se v glasbene kompozicije, ki temeljijo na raznolikem ponavljanju vrstic:

Kijevski napev je južnoruska veja znamenskega napeva. Temelji na strofičnosti, vrstičnem prepevanju besedila. V melodiji kijevskega petja so tako recitativne kot napevne strukture, pogosto so ponavljanja posameznih besed in stavkov besedila, kar v petju Znamenny ni bilo dovoljeno. Kijevsko petje se je v Moskvi močno razširilo od druge polovice 17. stoletja. Znani sta dve različici kijevskega petja - velika in mala (skrajšana različica velikega).

Poleg znamenskega petja so v kijevskih in grških napevih peti najpomembnejša besedila vsakdanjega življenja, vsakdanje pesmi vsenočnega bdenja in liturgije. Veliko jih je v južnoruskem Irmologionu. Z uvedbo partesnega petja v drugi polovici 17. st. Pojavile so se partesne polifone harmonizacije kijevskih, bolgarskih in grških napevov.

Stran 1 - 1 od 3
Domov | Prejšnji | 1 | Track. | Konec | Vse
© Vse pravice pridržane

Uvod

1. Pesemska kultura Rusije v 19. stoletju

2. Ruska skladateljska šola

2.1 Mihail Ivanovič Glinka

2.2 Aleksander Sergejevič Dargomyzhsky

2.3 "Mogočna peščica"

2.4 Petar Iljič Čajkovski

3. Ruska glasbena kultura zgodnjega 20. stoletja.

Zaključek

Bibliografija

Uvod

Rusija v 19. stoletju naredil velik preskok v razvoju kulture in dal neprecenljiv prispevek k svetovni kulturi. To je bilo vnaprej določeno zaradi številnih razlogov. Kulturni vzpon je bil posledica procesa oblikovanja ruskega naroda ob prehodu na nove kapitalistične odnose in rasti narodne samozavesti. Drug dejavnik, ki je prispeval k intenzivnemu razvoju ruske kulture, je tesna interakcija s kulturami drugih držav in narodov. Zahodnoevropska družbena misel je imela velik vpliv na rusko kulturo. Ruska družba je sprejela napredne dosežke kultur evropskih držav, hkrati pa ohranila izvirnost svoje nacionalne kulture. Inteligenca začne aktivno sodelovati pri razvoju nacionalne kulture. Na začetku se je ta sloj družbe oblikoval iz vrst plemičev in duhovščine, že v 18. st. se pojavijo meščani, v začetku 19. st. - podložna inteligenca (igralci, umetniki, arhitekti, glasbeniki, pesniki). V 18. - prvi polovici 19. stoletja je glavna vloga v kulturnem razvoju pripadala plemiški inteligenci, v drugi polovici 19. stoletja - meščanom. Med meščani so bili izobraženi predstavniki liberalnega in demokratičnega meščanstva, uradniki, meščani, trgovci in kmetje. Zato je v 19. st. V Rusiji poteka proces demokratizacije kulture. Povečuje se število pisateljev, pesnikov, umetnikov, skladateljev, znanstvenikov iz neprivilegiranih slojev.

V tem eseju bom poskušal podati splošen opis glasbene kulture Rusije v 19. in začetku 20. stoletja, izslediti izvor in kontinuiteto ruske glasbene umetnosti. Poudariti je treba pomen študija zgodovine kulture, saj sedanjost temelji na preteklosti. Tudi na najbolj revolucionarna glasbena dela našega časa neposredno ali posredno vpliva preteklost. Namen eseja je analizirati stanje glasbene kulture v Rusiji v 19. in začetku 20. stoletja, prepoznati njene značilnosti, govoriti o skladateljih tega časa in njihovih delih ter ugotoviti pomen ruske glasbe tistega obdobja. za svetovno kulturo.

1. Pesemska kultura Rusije v 19. stoletju

V 19. stoletju Ruski skladatelji so veliko pozornosti posvečali preučevanju folklore in menili, da je ljudska glasba vir navdiha. Zbirali so ljudske pesmi in jih pogosto uporabljali v svojih delih. Pojavijo se nove glasbene zvrsti, pod vplivom novih življenjskih razmer se spreminjajo stare oblike (vsakdanje pesmi, pesmi na temo potepanj, satirične pesmi), spreminja se narava podob in intonacijsko-izraznih sredstev. V vsakdanjih ljudskih pesmih se zrcalijo veliki družbenopolitični dogodki državnega pomena. Domovinska vojna leta 1812 se je široko odražala v ljudskih pesmih, do nas je prišel cikel pesmi o letu 1812, povezanih z ustnim ljudskim izročilom. Po vsebini ter glasbenih in pesniških oblikah so zelo raznolike. Ta vojna je postala razlog za nastanek liričnih pesmi, ki so zajele globoko narodno žalost, žalost, žalost zaradi nesreč domovine, propadanja rodne zemlje in smrti ljubljenih.

Ruska ljudska pesem je pridobila veliko popularnost in je bila razširjena v številnih izvirnih priredbah - za zbor, glas s spremljavo in posamezne instrumente. V letih 1806 - 1815 je bila Pracha zbirka večkrat ponovno izdana. Na njeni osnovi so nastale pesemske zbirke javno dostopnega tipa.

Danila Kashin, ki je prišla iz suženjstva, je pridobila veliko slavo in ustvarila številne priredbe ljudskih pesmi. V letih 1833-1834. Njegova zbirka »Ruske ljudske pesmi« je izšla v treh delih. V štiridesetih letih je bila zbirka ponovno izdana, kar kaže na njeno priljubljenost.

Ivan Rupin je zbiral in obdeloval tudi kmečke pesmi, za njegovo delo je značilna sinteza ljudskih pesmi in mestnih romanesknih intonacij. Njegov priimek so sodobniki izgovarjali z italijansko končnico - Rupini, kar kaže na njegovo slavo. Leta 1831 je izšla njegova pesemska zbirka. Hkrati z vsakdanjimi transkripcijami ljudskih pesmi se razvija lirična sentimentalna romantika. V tem žanru je preprostost sredstev združena s spontanostjo in iskrenostjo izražanja. V razvoju ruske romantike 19. stoletja so imeli velik pomen skladatelji Aljabjev, Varlamov, Gurilev in Verstovski.

Aleksander Aleksandrovič Aljabjev (1787-1851) je bil iz plemstva. Služil je v vojski in sodeloval v domovinski vojni leta 1812. Po upokojitvi se je posvetil ustvarjalnosti. Alyabyev je avtor priljubljenih romanc: "Ljubil sem te", "Zimska cesta" (obe na podlagi pesmi A. S. Puškina), "Slavček" in drugih. "Slavček" je ena najbolj znanih pesmi Alyabyeva. Vse na njem je preprosto in hkrati iskreno. Pred pesmijo je klavirski uvod. Že od prvih intonacij vokalne vložke se razvije očarljivo uglajena, premišljena melodija. Takoj očara s svojo duhovnostjo.

Skladatelj Alexander Egorovich Varlamov (1801-1848) - avtor priljubljenih romanc. Ustvaril je več kot sto del te zvrsti, večinoma po pesmih ruskih pesnikov (»Rdeča obleka«, »Po ulici mete snežni metež«, »Ob zori je ne budi«, »Samotno jadro je«). Bela« itd.). Varlamov se je izkazal tudi kot pevec, dirigent, kitarist in pedagog. Je avtor učbenika za pevce - "Popolna šola petja" (1840).

Aleksander Lvovič Gurilev (1803-1858) je bil sin podložnega glasbenika. Skladatelj, pianist, violinist, violist in učitelj Gurilev je znan kot avtor pesmi in romanc. Najbolj znane so njegove pesmi »Mati golobica«, »Zvon«, »Sarafan«, »Lastavica plove« ter romanci »Ločitev« in »Ne moreš razumeti moje žalosti«. Poleg vokalnih besedil je skladatelj deloval v zvrsteh klavirske glasbe, zbiral in prirejal ljudske pesmi.

Delo Aljabjeva, Varlamova in Gurileva je neprecenljiv prispevek v zakladnico ruske glasbe. Njihove pesmi in romance so še vedno vključene v koncertni repertoar pevcev, zborov in izvajajo navadni ljudje.

Ruska glasba 19. stoletja. - To je svetlo in briljantno obdobje v razvoju glasbene kulture. Povezana je z oblikovanjem nacionalne skladateljske in izvajalske šole svetovnega pomena. Uvajanje najboljših glasbenih dosežkov zahodne Evrope je blagodejno vplivalo na splošno naravo njenega razvoja, izvirnost in izvirnost pa sta v veliki meri določala spoštovanje ljudskega izročila. V 19. stoletju Pojavile so se nove zvrsti vokalne in simfonične glasbe. Velik napredek je naredila operna umetnost. Delo tako čudovitih ruskih skladateljev, kot so M. I. Glinka, M. P. Musorgski, A.P. Borodin, N.A. Rimski - Korsakov, P.I. Čajkovski, so vstopili v zakladnico svetovne glasbene kulture.

Romance "Ne skušaj"; "Dvom"; "Ne poj, lepotica, pred menoj"; "Spominjam se čudovitega trenutka." Simfonična glasba "Kamarinskaya"; "Aragonska jota"; "Noč v Madridu"; Ruska narodna opera "Življenje za carja" ("Ivan Susanin"). Operna pravljica "Ruslan in Ljudmila".

M.A. Balakirev (1836 – 1910); Ts.A. Cui (1835 – 1918); A.P. Borodin (1833 – 1887); M.P. Mussorsky (1839 – 18810; N.A. Rimsky-Korsakov ().

Organizator in idejni navdih te prijateljske zveze, ki je nastala ob koncu petdesetih let 19. stoletja, je bil Mily Alekseevich Balakirev, čudovit pianist in skladatelj, ki je uspel okoli sebe združiti ne le ljubitelje glasbe, ampak tudi nadarjene izvajalce in skladatelje. Njegove izjemne sposobnosti, odlične izvajalske in umetniške sposobnosti, vsestransko glasbeno znanje ter oster, pronicljiv um so ga navduševali in mu dajali neomajno avtoriteto.

M.A. Balakirev je avtor številnih čudovitih del. Ustvaril je glasbo za tragedijo "Kralj Lear", simfonične pesmi "Tamara" na podlagi pesmi M.Yu. Lermontov, "Rus" in "Na Češkem", "Španska uvertura", "Uvertura na teme treh ruskih pesmi". Za klavir, njegov najljubši glasbilo, je ustvaril orientalsko fantazijo »Islamey«, ki so jo navdihnili njegovi vtisi s potovanja po Kavkazu. Štirideset romanc, sonat, mazurk, nokturn in valčkov, zbirk ruskih pesmi so najboljši dosežki skladatelja.

Skladateljeva ustvarjalna dediščina je precej obsežna: 14 oper, vključno z "Mandarinov sin" (1859), "William Ratcliffe" (po Heinrichu Heineju, 1869), "Angelo" (na podlagi drame Victorja Hugoja, 1875), “Saracen” (po motivih Aleksandra Dumasa, očeta, 1898), “Kapitanova hči” (po A. S. Puškinu, 1909), 4 otroške opere; dela za orkester, komorne instrumentalne zasedbe, klavir, violino, violončelo; zbori, vokalne zasedbe, romance (več kot 250), ki jih odlikuje lirična ekspresivnost, gracioznost, subtilnost vokalne recitacije Mandarinov sin 1859 William Ratcliffe do Heinricha Heineja 1869 Angelo zaplet drame Victorja Huga 1875 Saracen Alexandra Dumasa - oče 1898 Kapitanova hči A. S. Puškinu 1909 klavir violina violina Chelyjeve romance

Aleksej Porfirjevič Borodin, velik znanstvenik in kemik, je ves svoj čas posvetil znanstvenim raziskavam. Po lastnem priznanju je moral skladati glasbo le v obdobjih bolezni. Skladateljeva glasbena ustvarjalna dediščina je majhna, vendar je njegov prispevek k razvoju ruske glasbene kulture pomemben. Borodinova dela so slava in ponos ruske glasbe. Tri simfonije; 15 romanc na pesmi ruskih pesnikov; Edina opera "Princ Igor"

Ustvarjalna dediščina Modesta Petroviča Musorgskega, enega izjemnih ruskih skladateljev 19. stoletja, je ogromna in edinstvena. Njegovo kratko življenje so zaznamovala sijajna dela na področju simfonične in operne glasbe. Po končani šoli za gardne praporščake je opustil svojo bleščečo vojaško kariero in se leta 1858 upokojil z edino mislijo - da se popolnoma posveti glasbi. Eno za drugo ustvarja celo vrsto glasbenih mojstrovin, ki zaznamujejo novo obdobje v zgodovini glasbene umetnosti.

Svetla stran ruske glasbene kulture 19. stoletja. Povezan z delom Nikolaja Andrejeviča Rimskega-Korsakova. Začetek njegove glasbene kariere je bil sijajen. Leta 1867 je naslikal simfonično sliko "Sadko", ki temelji na slovitem novgorodskem epu. Leto kasneje je skladatelj napisal simfonično sliko "Antar", ki temelji na zapletu arabskih ljudskih pravljic. Kasneje, leta 1888, se je Rimsky-Korsakov ponovno obrnil k orientalskim motivom v suiti "Šeherezada", ki temelji na srednjeveških arabskih zgodbah iz znane zbirke "Tisoč in ena noč".

Opere "Pskovska žena", "Carska nevesta", "Zgodba o nevidnem mestu Kitežu in devici Fevroniji", "Snežna deklica", "Zgodba o carju Saltanu", "Zlati petelin", "Kaščej" nesmrtni", "Majska noč", "Noč pred veselim božičem", "Mozart in Salieri"; Približno 80 romanc ("Viharni dan je ugasnil", "Ne veter, ki piha z višin", "Leteči greben oblakov se tanjša")

Življenje izjemnega ruskega skladatelja Petra Iljiča Čajkovskega (1840 - 1893) je trajalo le 53 let, obsežen seznam del, ki jih je ustvaril, pa obsega deset oper, tri balete, devet programskih simfoničnih del, koncerte, kvartete, glasbo za dramske predstave itd. kot sto romanc in mnogo drugih esejev. Čajkovski je rekel: »Navdih je gost, ki ne mara obiskovati lenuhov; prikaže se tistim, ki jo prepoznajo.«

Čajkovskemu je uspelo najti svoj edinstven in izviren slog, ki mu je določil posebno mesto v zgodovini svetovne glasbene kulture. Na področju simfonične glasbe je razvil zvrst programske simfonične pesnitve (»fantazija« ali »fantastična uvertura«). Opere zavzemajo pomembno mesto v delu Čajkovskega. Skladateljevi najboljši operni deli sta Evgenij Onjegin in Pikova dama. Baletna glasba P.I.-ja je obsijana s pravljično romantično lučjo. Čajkovskega, v katerem ne nastopa le kot sijajen reformator, ampak tudi kot pionir. Glasbeni kritik G.A. Laroche je zapisal: »V glasbenem smislu je Labodje jezero najboljši balet, kar sem jih kdaj slišal ...«

Državna proračunska predšolska izobraževalna ustanova

vrtec št. 2 splošnega razvojnega tipa v okrožju Kalininsky v mestu

St. Petersburg.

Posvetovanje za vzgojitelje predšolskih otrok.

Tehnologije:

Sankt Peterburg 2015

Glasbena tradicija ruskega ljudstva v klasični glasbi.

Govor na pedagoškem svetu.

Cilji:

1. Predstaviti tradicijo ruskega ljudstva v delih ruskih klasičnih skladateljev.

2. Širjenje predstav o ruski glasbeni kulturi ruski ljudje.

3. Razvoj estetskega in moralnega dojemanja sveta.

Tehnologije: Informacije in računalništvo (IKT).

Informacije in komunikacije.

»Ljudska pesem je kot bajni izvir žive vode dajala skladateljem moč in navdih, učila jih lepote in spretnosti, učila ljubezni do življenja in ljudi.«

D. B. Kabalevskega

Razcvet glasbene kulture v 19. stoletju je bil pripravljen s celotnim potekom njenega razvoja v Rusiji. Stoletja so se med ljudmi kopičili dragoceni vrelci glasbene umetnosti. Ljudska poezija in glasba sta obstajali že v pradavnini in sta odsevali celotno življenje in zgodovino ljudstva: njegove običaje in obrede, delo in boj za svobodo, upanja in sanje o boljšem življenju.

Ruska ljudska glasba izvira iz folklore slovanskih plemen, ki so živela na ozemlju Kijevske Rusije.Ruska ljudska pesem je zakladnica pesemske ustvarjalnosti, »zgled resnice in lepote«, neprecenljivo bogastvo ruskega ljudstva, ki je predstavnik Rusije, torej eksponent njenih interesov, zgodovine in kulture. Ruska ljudska pesem je izpoved slovanskega naroda o Rusiji, njeni veliki preteklosti, sedanjosti in prihodnosti.

Med glavnimi zvrstmi ljudske glasbe lahko ločimo koledarsko obredne pesmi, svatovske, valorizacijske, epske, plesne, plesne in lirične pesmi, žalostinke in žalostinke ter pesmi. Ljudska glasba je bila bolj pesem kot instrumentalna (morda je na to vplivala cerkvena prepoved glasbil v templju).

Ruska klasična glasba se je hranila tudi z ljudskimi melodijami. Ljudske lirične pesmi so močno vplivale na delo ruskih skladateljev. Ruski klasični skladatelji so skrbno zbirali in preučevali ljudske pesmi. Nekateri od njih - Balakirev, Rimsky - Korsakov, Lyadov - so sestavili zbirke ruskih pesmi za glas in klavirsko spremljavo. V svojih delih so pogosto uporabljali ruske melodije. In ko so sestavljali lastne melodije, so vanje vnesli intonacije, pevske vzorce in melodične obrate, značilne za ruske pesmi. Glasba Borodina in Musorgskega, Glinke in Čajkovskega je razumljiva in dostopna širokemu občinstvu prav zato, ker je bogata s čudovitimi melodijami in spevnostjo.

V 18. stoletju se je na melodični osnovi starodavne ljudske pesmi, imenovane »kmečka«, pojavila vsakdanja mestna pesem. Skoraj vsaka mestna pesem uporablja napeve, modalne in ritmične značilnosti starodavne pesmi. Mestno pesem smo navajeni imenovati ruska romanca. Pogosto je za romanco značilna verzna oblika, romance so izvajali ob spremljavi kitare, klavirja in harfe. Romanca je tako kot ruska pesem odražala misli, razpoloženja in izkušnje navadnih ljudi. Najboljše med njimi so se širile ustno, prosto spreminjale in postopoma spreminjale v ljudske pesmi. Tako je bilo s pesmijo - romanco "Zvon" Aleksandra Lvoviča Gurileva, z"Rdeča obleka" in "Po ulici piha snežni metež"Aleksander Jegorovič Varlamov

Zgodovina ruske klasične glasbe se začne z ustvarjalnostjoMihail Ivanovič Glinka. (1804 – 1857) Glinka se je vpisal v zgodovino glasbene kulture ne le kot velik skladatelj, ampak tudi ustanovitelj nacionalnega sloga, narodnosti v ruski glasbi. Začetki Glinkine glasbe so v ruski ljudski umetnosti. Njegova najboljša dela so prežeta z ljubeznijo do domovine, njenih ljudi in ruske narave.

"Ljudje ustvarjajo glasbo, mi, umetniki, pa jo le aranžiramo (prirejamo glasbo, jo okrasimo)," je nekoč rekel M. I. Glinka.

V mnogih njegovih delih slišimo melodije ljudskih pesmi in plesne ritme. In vsa Glinkina glasba je prežeta z intonacijami, ki jih črpa iz domače folklore, z najmanjšimi besednimi zavoji, ki njegovim delom dajejo edinstven nacionalni pridih.

Opera "Ivan Susanin"ali "Življenje za carja" - junaška ljudska glasbena drama. V svojem delu je skladatelj poveličeval junaški podvig preprostega ruskega kmeta, ki je žrtvoval svoje življenje v imenu domovine. Glasba opere je globoko nacionalna in pesemska. Obrnimo se na Susaninove arije iz 4. dejanja »Vstala boš, moja zarja"; k pesmi – Antonidina romanca »Za tem ne žalujem, prijateljice« – ganljive intonacije ljudskih žalostink;refren iz epiloga "Zdravo", v kateri ljudstvo poveličuje rodno zemljo in padle junake. Sam Glinka jo je imenoval himna - marš.

Mihail Ivanovič je bil prvi, ki se je obrnil na žanr pravljic. Prvi ruskipravljično - epska opera"Ruslan in Ludmila"je napisan na podlagi nesmrtnega dela ustanovitelja nacionalne ruske poezije - A. S. Puškina. Prežeta je z ljudskim junaštvom, veličino epskega epa in domoljubjem. V. F. Odoevsky je po premieri zapisal: "Na ruskih glasbenih tleh je zrasla razkošna roža - to je naše veselje, naša slava."

Za najboljša dela M.I. Glinka, napisana na folklorni osnovi, pripadasimfonična fantazija "Kamarinskaya",v kateri je po besedah ​​skladatelja P. I. Čajkovskega »kot cel hrast v želodu« vsa ruska simfonična šola. Napisana je bila leta 1848 na teme dveh ruskih pesmi: poročne pesmi »Zaradi gora, visokih gora« in živahne plesne pesmi.

Druga polovica 19. stoletja je bila čas mogočnega razcveta ruske glasbe, pa tudi celotne ruske umetnosti. V glasbeni ustvarjalnosti 60. let je vodilno mesto zavzel Čajkovski in skupina skladateljev, ki so bili delBalakirevsky krog. Govorimo o »mogočni peščici«, ki je vključevala: Balakirev, Cui, Musorgski, Borodin in Rimski-Korsakov. Skladatelji "mogočne peščice" so se imenovali Glinkini dediči in svoj cilj videli v razvoju ruske nacionalne glasbe.

Med skladatelji »mogočne peščice«Modest Petrovič Musorgski (1839 – 1881) je bil v glasbi najvidnejši nosilec revolucionarnih in demokratičnih idej 60. let 19. stoletja. Musorgski je bil tisti, ki je z veliko obtožujočo silo uspel v glasbi razkriti ostro resnico o življenju ruskega ljudstva, poustvariti, kot je dejal V. V. Stasov, »cel ocean ruskega ljudstva, življenja, značajev, odnosov, nesreče , neznosno breme, ponižanje.«

Vsa moč talenta Musorgskega se je razkrila vopera "Boris Godunov"temelji na tragediji A. S. Puškina. Modesta Petroviča je v Puškinovi tragediji pritegnila priložnost, da v operi poustvari prebujanje ljudske moči, ki povzroči odkrito nezadovoljstvo in na koncu - spontano vstajo. Ljudje v operi Musorgskega so glavni junaki. Že na prvi sliki je žalostna tema, blizu ruskim ljudskim pesmim,"Komu nas zapuščaš, oče naš?"V tem kriku se poraja podoba ljudi samih – zatiranih in lačnih.

Na vrhuncu tretjega prizora se oglasi zbor upornikov»Hrabra moč se je razpršila in podivjala«, zgrajeno na intonacijah švigajočih pesmi. Ustvarjanje ljudske glasbene drame, ki globoko razkriva življenje ruskega naroda in njegove zgodovinske usode, je bila pomembna faza v razvoju glasbenega gledališča.

"Slike na razstavi"jih je napisal Musorgski pod vtisom razstave del umetnika Viktorja Hartmanna, prijatelja skladatelja, ki je nenadoma umrl. Zamisel o prenosu vizualnih vtisov v glasbenih slikah je navdušila Musorgskega. Vsaka skladba tega cikla, ki ga lahko imenujemo suita, je glasbena slika, ki jo navdihuje ena ali druga risba. Tu so vsakdanje slike, majhne skice človeških značajev, pokrajine, podobe ruskih pravljic in epov.

"Koča na piščančjih nogah"nariše pravljično podobo Babe Jage. Umetnik upodablja uro v obliki pravljične koče. Toda v glasbi Musorgskega ni utelešena čudovita koča igrače, ampak njen lastnik, Baba Yaga. Predstava izžareva epsko razsežnost in rusko junaštvo.

Na sliki je čutiti še večjo sorodnost z rusko ljudsko glasbo in s podobami epa -"Bogatirska vrata"Musorgski je to igro napisal pod vplivom Hartmannove arhitekturne skice »Mestna vrata v Kijevu«. Po intonaciji in harmoničnem jeziku je glasba blizu ruskim ljudskim pesmim. Značaj predstave je veličasten – umirjen in slovesen. Tako zadnja slika, ki simbolizira moč domačinov, seveda zaključi celoten cikel.

Aleksander Porfirijevič Borodin(1833-1887) je v veliki meri nadaljeval tradicijo Glinke. Skladatelj je v svoji glasbi utelesil veličino in moč ruskega ljudstva, junaške značajske lastnosti ruskega ljudstva in veličastne podobe narodnega epa. In poleg tega so v Borodinovem delu lirične, iskrene, očarljivo iskrene podobe, polne strasti in nežnosti. Glavno glasbeno izrazno sredstvo je vedno melodija – široka, pesemska, plastična. Barvitost in svetlost sta lastni Borodinovemu harmoničnemu jeziku.

Čudovito delo starodavne ruske literature 12. stoletja - "Zgodba o Igorjevem pohodu" - je očaralo skladatelja in ga navdihnilo za ustvarjanje opere. V knjižnicah je iskal gradivo o zgodovini Kijevske Rusije, starodavne ruske pesmi in melodije vzhodnih ljudstev."Princ Igor" - lirsko-epska opera, temelji na intonacijah ljudskih pesmi - ruskih in vzhodnih. Rusija in Vzhod sta v operi prikazana večplastno in resnično. V tem je bil Borodin privrženec M. I. Glinke.

Slovesno ljudskorefren "Slava rdečemu soncu!"v prologu je zgrajen na melodičnih obratih ruskih pesmi. Po svoji kompoziciji je blizu veličastnim zborom Glinkovih oper. Melodija zbora je blizu melodijam starodavnih obrednih in epskih ruskih pesmi.

Igorjeva arija – eno najboljših mest v operi. Jasno prikazuje glavnega junaka - pogumnega, hrabrega bojevnika, pripravljenega na boj za svojo domovino, in hkrati trpečo osebo z ljubečim srcem. Vsebuje tri teme: temo duševnega trpljenja, junaško in lirično.

Jaroslavnin jok izhaja iz starodavnih ljudskih glasov in žalostink z značilnimi intonacijami. Jaroslavna je v svoji žalosti upodobljena kot preprosta Rusinja, ki obžaluje poraz Igorjeve vojske in opustošenje regije. Melanholija in žalost sta poudarjeni s primerjavo z bridko kukavico. To podobo pogosto najdemo v ruski folklori.

Opera "Knez Igor" je ena najboljših stvaritev operne klasike. Poveličuje junaški duh ljudi, njihovo vzdržljivost, domoljubje in duhovno lepoto.

Nikolaj Andrejevič Rimski – Korsakov(1844 – 1908) zavzema med skladatelji »mogočne peščice« posebno mesto. Z njegovim delom je pravljica doživela razcvet v ruski glasbi. Pravljice in pesmi so bile vedno duša ljudi. Prav v pravljici so ljudje izrazili svetle sanje o boljšem življenju, o zmagi resnice in zmagi dobrega nad zlom, nasiljem in krivico.

Opera "Sadko" Rimski-Korsakov ga je imenoval ep. Dolgo je preučeval različne različice epa o novgorodskem guslarju in pomorščaku Sadku. Dogajanje v tej operi se odvija v Novgorodu. Mesto se v operi kaže kot živo - s hrupom bogatih nakupovalnih arkad, s tujimi gosti, norčijami in z običaji starih časov. Glavni junak opere je mladi, drzni guslar in pevec Sadko. Velika je moč njegovih pesmi - očaral je lepotico - princeso, hčer mogočnega morskega kralja - vladarja. V tej operi – epu – veličastno preprostem in malo žalostnem – je veliko čudežev. In glasba opere je enkratno lepa. Številni prizori so na primer napisani v umirjeni, pojoči epski govoricirecitativ in arija Sadka “Ko bi le imel zakladnico zlata.”Uporabljene so tudi pristne epske melodije, na primer v refrenu »Je višina, višina v nebesih«.

Opera "Snežna deklica"temelji na zapletu drame A. N. Ostrovskega, enega najlepših in najbolj navdihujočih del Rimskega-Korsakova. Opera se dogaja v pravljičnem kraljestvu Berendejevih, kjer so vsi ljudje prijazni in pravični ter ljubijo umetnost. Laž in prevara se štejeta za zločin. Berendeji častijo naravo in sonce. Z veliko toplino je skladatelj v svoji operi poustvarjal starodavne običaje in obrede. Resničen prikaz življenja in vsakdana ljudi se združuje s svetom domišljije in pravljic. Car Berendey, Kupava, Lel, Mizgir, Bobyl in Bobylikha so realistične podobe. Pomlad je rdeča in dedek Mraz sta obdarjena s človeškimi lastnostmi.

V prolog opere Rimski-Korsakov vstavi starodavni ruski obred: slavje Maslenice.. Slamnato podobo so oblekli, ji rekli maslenica, jo s petjem nosili po vaških ulicah in zvečer zažgali. S tem so upali pospešiti prihod pomladi.Veselo vrvenje s plišasto živaljo se odraža vRefren "Zbogom, Maslenica"Melodija temelji na melodičnih obratih starih obrednih pesmi.

"Lelyina pesem" se začne s solo klarinetom, ki igra pristno ljudsko melodijo. Sama melodija pesmi temelji na ljudskih frazah in napevih. Značilno je menjavanje durovih in molovih razpoloženj, značilno za ljudske pesmi, kar kaže na spremenljivost. Pesem se začne počasi in razvlečeno. Toda sčasoma se njen tempo pospeši in pesem se spremeni v ljubek okrogli ples z refrenom "Moj Lel, moj Lel, leli, leli, Lel"

Peter Iljič Čajkovski(1840 - 1898) je vse svoje delo posvetil človeku, njegovi ljubezni do domovine in ruske narave, njegovim težnjam po sreči in pogumnemu boju proti temnim silam zla. Simfonična glasba zavzema pomembno mesto v delu Čajkovskega. VsebinaPrva simfonija "Zimske sanje"- to so misli in lirična čustva osebe, pa tudi podobe narave. V temah te simfonije je mogoče slišati ekspresivne intonacije ruskih liričnih dolgotrajnih pesmi. Uvod v finale temelji na melodiji ruske ljudske pesmi "Cvetele so cvetele". Glavni del finala je svetel, vesel s plesnimi značilnostmi. Po karakterju je blizu švigajočim plesnim melodijam.

Veliki sovjetski skladateljSergej Sergejevič Prokofjev(1891 – 1953) upravičeno imenujemo klasik 20. stoletja. V svojem delu je prenesel sistem občutkov svojih sodobnikov, ostre dramatične spopade dobe in vero v zmago svetlega začetka v življenju. Prokofjev je pogumen in inovativen umetnik. Odpiral je nove svetove v glasbi – na področju melodije, ritma, harmonije, instrumentacije. Hkrati je njegova umetnost povezana s tradicijo ruske klasike. V delih Prokofjeva zgodovina oživi pred nami v kantati "Aleksander Nevski", operi "Vojna in mir", v glasbi za film "Ivan Grozni". Ta dela, napisana v 30. in 40. letih, so prežeta z ljubeznijo do domovine, poveličujejo ljudi, njihovo veličino in trdnost. Razvijajo junaško-epsko linijo ruske glasbene klasike, ki izhaja iz Glinkinega »Ivana Susanina«, Borodinovega »Kneza Igorja«, Musorgskega »Borisa Godunova«.

Kantata "Aleksander Nevski"je nastala iz glasbe za film, ki ga je leta 1938 na oder postavil izjemni sovjetski filmski režiser Sergej Mihajlovič Eisenstein. Film in njegova glasba, ustvarjena tik pred vojno, sta na platnu obudila junaški boj čete Aleksandra Nevskega s tevtonskimi vitezi. Kantata ima 7 delov.

"Pesem o Aleksandru Nevskem"- drugi del kantate. Glasba je veličastna in stroga. Videti je kot freska starodavnega ruskega slikarja, ki je upodobil strogega bojevnika in predanega svoji domovini. Pesem govori o zmagi nad Švedi in daje opozorilo: "Kdor pride v Rus', bo do smrti pretepen." Tako besedilo kot glasba sta v epskem duhu, značilnem za staro rusko epiko.

"Vstanite, ruski ljudje"- četrti del kantate je poziv k boju za rusko zemljo. V melodiji, v njenih vztrajno ponavljajočih se energičnih intonacijah, se slišijo bojni vzkliki in pozivi. Ritem koračnice poudarja junaško naravo glasbe. In tu vidimo kombinacijo pevske tradicije s sodobnimi glasbenimi tehnikami Prokofjeva. V srednjem delu zveni tema "V Rusiji je velika, v Rusiji je domača, sovražnika ni mogoče najti" - melodično, svetlo, svobodno.

"Bitka na ledu"- peti del kantate. V njem skladatelj prikazuje podobe psov - križarjev in bojevnikov ruskega odreda. Če so bile v karakterizaciji Rusov melodije, ki so temeljile na različnih intonacijah pesmi, potem se je v glasbi, ki je označevala napadalce, pojavila tema, napisana v duhu katoliškega korala. Namesto jasnih, barvitih diatoničnih harmonij so zastrašujoče disonantne kombinacije. Namesto melodičnih »človeških« tonov godal so rezki, tuleči, prodorni toni pretežno trobil..

Glavne teme vitezov smo slišali že v tretjem delu kantate "Križarji v Pskovu". V glasbi Prokofjeva tevtonski vitezi galopirajo »z neizprosnostjo tankovske kolone svojih gnusnih potomcev« (tako je rekel Eisenstein, šokiran nad glasbo). Vstop knežjega odreda v bitko zaznamuje energičen zvok teme trobente zbora »Vstani, ruski narod«.V vrhunskih epizodah trčijo nasprotujoče si teme, teme pa zvenijo hkrati, vsaka v svojem tonalitetu: Rus v D-duru, Križarji v cis-molu. Pojavi se bitonalni zvok, ki s svojo ostrino poudari ostrino boja. Osupljiva »preglednost« podob je tudi v sliki smrti križarjev. Prasketanje ledu, hladni temni valovi in ​​mračna drama dogajanja so podani z orkestrskimi sredstvi. Ogromna simfonična napetost se razreši ob zaključku celotne slike. Ruska tema »Big in Rus'« zveni tiho in lahkotno. To je glasba miru in tišine, ki je prišla v osvobojeno deželo.

V šestem delu "Mrtvo polje" - utelešena je lirična in žalostna podoba. Po ledeni bitki dekle-nevesta išče svojega ženina med ruskimi vojaki, ki so umrli na bojišču. Slika je simbolična - domovina žaluje za svojimi sinovi. V glasbi Prokofjeva se slišijo intonacije žalostinke, ki izvirajo iz ruskih ljudskih žalostink in iz klasičnih žalostink (Jaroslavnina žalostinka). Vokalna melodija je izjemna zaradi kombinacije intenzivne izraznosti in zadržanosti. Melodija je globoko žalostna, a njeno gibanje je gladko in strogo.

Kantata se konča s slovesnim, veličastnim finalom"Vstop Aleksandra Nevskega v Pskov", kjer zvenijo znane ruske teme. V kantati "Aleksander Nevski" je Prokofjev poveličeval zmago ruskega ljudstva nad okupatorji, zmago človeštva nad krutostjo in nepravičnostjo.

Torej, vsi poznajo očarljivo moč ruskih ljudskih pesmi. Imajo sposobnost ne le prodreti globoko v dušo, ampak tudi vzbuditi empatijo.

Ljudska pesem, širše pa vsa glasbena folklora, je osnova profesionalnega komponiranja.

Ta čudoviti svet glasbe je postal sestavni del našega življenja, potrdil je svojo pravico do obstoja, ko je prestal dolgo preizkušnjo časa.

V 60-ih in 70-ih letih prejšnjega stoletja je ruska glasba doživela čas mogočnega razcveta. Če je bil konec 18. stoletja čas za nastanek profesionalne skladateljske šole v Rusiji, je prva polovica 19. stoletja, ki jo je zaznamoval genij Glinke, utrdila pomen ruske klasične glasbe zunaj Rusije, danes ru. glasba postaja ena vodilnih glasbenih kultur, ki določajo nadaljnji razvoj celotne evropske glasbene umetnosti.

V tem obdobju se je pojavila cela galaksija izjemnih skladateljev, ki so v svojem delu vsestransko in globoko odražali življenje ruske družbe. Ta dvajseta obletnica vključuje ustvarjanje tako nesmrtnih del, kot so opere "Boris Godunov" in "Hovanščina" Musorgskega, "Knez Igor" Borodina, "Pskovčanka" Rimskega-Korsakova, "Evgenij Onjegin" Čajkovskega, Čajkovskega balet “Labodje jezero”, Prva in Druga Borodinova simfonija, prve štiri simfonije Čajkovskega in še veliko več.

A tega časa ni zaznamovalo samo ustvarjanje najsijajnejših del. V glasbenem življenju se dogajajo korenite spremembe. Ruska glasba, ki se je prej v mestu razvijala le v aristokratskih salonih, dvornih gledališčih in domačem življenju, je zdaj deležna širokega občinstva. Pojavljajo se koncertne organizacije, ki načrtno promovirajo glasbeno umetnost. V gledališča prihaja demokratična publika: študenti, intelektualci, manjši uslužbenci.

Oživitev koncertnega življenja je bila tesno povezana z imeni številnih izjemnih izvajalcev - instrumentalistov in pevcev. Med njimi so pianista brata Anton in Nikolaj Rubinstein, violinista G. Wieniawski in L. Auer, violončelista K. Yu. Davydov in A. V. Verzhbilovich, pevci O. A. Petrov, F. I. Stravinski, I. A. Melnikov, Yu. F. Platonova, E. A. Lavrovskaya, P. A. Khokhlov , M. A. Slavina in drugi Dirigent E. F. Napravnik je veliko prispeval k razvoju opere.

Največji zgodovinski dogodek je bila ustanovitev leta 1859 v Sankt Peterburgu na pobudo A. G. Rubinsteina Ruskega glasbenega društva (RMS), ki si je zadalo cilj »razvijati glasbeno izobraževanje in okus za glasbo v Rusiji ter spodbujati domače talente. ” Rubinstein, izjemna glasbena in javna osebnost, pianist, skladatelj in dirigent, je sam postal vodja koncertov RMO. Pomen teh koncertov je bil ogromen. Široko občinstvo se je tukaj, pogosto prvič, seznanilo z deli Bacha in Händla, Beethovna in Mendelssohna ter mnogih drugih velikih skladateljev. Podružnice RMO so se kmalu pojavile v drugih velikih mestih Rusije - Moskvi, Kijevu, Kazanu, Saratovu.

Izjemno vlogo so odigrali tudi koncerti Svobodne glasbene šole, ki sta jo ustanovila vodja nove glasbene smeri M. A. Balakirev in zborovodja G. Ya. Lomakin. Tu so pod vodstvom Balakireva izvajali predvsem dela ruskih skladateljev, ki jih je prestolnička aristokracija navajena obravnavati s prezirom. Ob delih Glinke in Dargomižskega je bilo mogoče slišati tudi nove skladbe - novonapisana dela mladih ruskih glasbenikov. Na koncertih Svobodne glasbene šole je bilo prvič izvedenih več velikih del sodobnih tujih skladateljev - Berlioza, Liszta, Schumanna: ruska družba se je soočila s obsežnim problemom domačega glasbenega kadra. Navsezadnje pred tem v Rusiji ni obstajala niti ena posebna glasbena izobraževalna ustanova! S prizadevanji A. Rubinsteina so v Sankt Peterburgu pri Ruskem glasbenem društvu odprli glasbene razrede, leta 1862 pa je bil odprt prvi konservatorij v Rusiji. Rubinstein je postal njen prvi direktor. Leta 1866 je bil odprt Moskovski konservatorij, ki ga je vodil N. Rubinstein. Tako kot sanktpeterburška je postala pravo središče glasbene izobrazbe in prosvetljenja. Oba konservatorija sta v drugi polovici 19. stoletja vzgojila številne izjemne glasbenike – skladatelje in izvajalce. Med prvimi diplomanti peterburškega konservatorija izstopa P. I. Čajkovski, ki je takoj po končanem izobraževanju zasedel mesto profesorja na moskovskem konservatoriju. Leta 1871 je N. A. Rimsky-Korsakov postal profesor na peterburškem konservatoriju.

60-70 leta so zaznamovale velike spremembe na področju glasbene znanosti in kritike. Govorniki v tisku: V.V. Stasov, A.N. Serov, T. A. Cui so bili v teh letih na čelu boja za napredno, nacionalno samosvojo rusko glasbeno umetnost. Veliko truda so namenili promociji nove glasbe, razvoju glasbene vede in širjenju glasbenega znanja med širšo populacijo. V tej smeri je veliko naredil tudi Čajkovskijev sošolec na konservatoriju G. A. Laroche.

V vseh pogledih se je glasbena kultura prenavljala. Začenjalo se je resnično novo obdobje ruske glasbe. Vse to je postalo mogoče v ozadju resnih sprememb, ki so se takrat zgodile na vseh področjih družbenega življenja države.Šestdeseta in sedemdeseta leta 19. stoletja so bila v Rusiji čas izjemne rasti narodne samozavesti, duhovne moči ljudstva, obdobje najvišjega razcveta znanosti in kulture. In to je bilo posledično posledica pomembnih sprememb v družbeno-političnem življenju države.

Kriza fevdalno-podložniškega sistema se je poznala že v 50. letih. Krimska vojna 1853-1856, ki se je končala s sramotnim porazom carske vlade, je poglobila notranja nasprotja, ki so mučila državo. Vojna je "pokazala gnilobo in nemoč podložne Rusije" (V. I. Lenin), okrepila javne katastrofe in povzročila močan val ljudskega ogorčenja. Kuhala se je kmečka revolucija. Da bi to preprečila, je bila vlada Aleksandra II prisiljena odpraviti tlačanstvo. Reforma, ki kmetom ni zagotovila zemlje, pa je v resnici povzročila le še večji propad vasi.

V 60. letih 19. stoletja so se v Rusiji pojavile nove družbenopolitične sile, ki so dvignile zastavo boja za svobodo proti avtokraciji in ostankom tlačanstva. To so bili meščani, ljudje iz demokratičnih slojev, revolucionarno naravnana inteligenca. V. I. Lenin je to obdobje izpostavil kot drugo fazo osvobodilnega boja in jo imenoval buržoazno-demokratična ali raznočinska faza. Demokratično propagando so vodili N. G. Černiševski, N. A. Dobroljubov in pesnik N. A. Nekrasov. Če je ob koncu 50-ih napredno demokratično misel prebudil glas Herzenovega "Zvona", je zdaj njegovo delo nadaljevala revija "Sodobnik" Černiševskega - Dobroljubova - Nekrasova, ki je dosledno zagovarjal ideje revolucionarnega demokratičnega boja.

Dobroljubov je na straneh Sovremennika strastno pozival k osvoboditvi: Vstani, Rus', na podvig slave, - Boj je velik in sveti!.. Vzemi svojo sveto pravico Od podlih vitezov biča ... Zaprt v Petra in Pavla, je Černiševski leta 1863 zapisal: "Vsa dežela je kmečka, brez odkupnine!", "Pojdite ven, lastniki zemljišč, dokler živite!" Černiševski je predstavil idejo o popolni prenovi družbenih odnosov. V svojem romanu "Kaj je storiti?" ustvaril je podobe novih ljudi, ki branijo svoje človeško dostojanstvo in pravico do svobodne delovne dejavnosti. Vpliv Černiševskega na napredno mladino in revolucionarno-demokratične študente je bil ogromen: po besedah ​​sodobnika, »so ga ... poznali na pamet, prisegali so na njegovo ime«.

Najvišja intenzivnost osvobodilnega boja se je odrazila v vrenju sveže, razumne ruske misli. "To je bil neverjeten čas," se je spominjal eden od tovarišev Černiševskega. "Vsi so želeli razmišljati, brati, študirati, vsi, ki so imeli nekaj v duši, so želeli govoriti na glas. Misel, ki je do takrat dremala, je začela nihati, trepetati in začela delovati. Njen impulz je bil močan in njene naloge so bile ogromne. Tukaj nismo govorili o današnjem času; razmišljala in odločala se je o usodi prihodnjih generacij, o prihodnji usodi vse Rusije.

Uspehi ruske znanosti v 60. in 70. letih so bili veliki. Periodični sistem elementov D. I. Mendelejeva, dela na področju raziskovanja človeškega živčnega sistema I. M. Sechenova, raziskave I. I. Mečnikova na področju bakteriologije in K. A. Timirjazeva o fiziologiji rastlin – to so njeni najpomembnejši dosežki. V tem obdobju so se pokazale pomembne smeri razvoja številnih eksaktnih in naravoslovnih ved za več let. Uspehi široke znanstvene fronte so bili povezani z rastjo razsvetljenstva. Odprla so se nova znanstvena društva: Rusko geografsko društvo, Društvo ljubiteljev naravne zgodovine itd. Ustanovljene so bile nove visokošolske ustanove (na primer Univerza v Odesi, Višja tehnična šola v Moskvi, Višji ženski tečaji v Sankt Peterburgu). ), izvedene so bile reforme na področju šolstva.

Revolucionarne demokratične ideje so pomembno vplivale na nadaljnji razvoj literature in umetnosti. Černiševski je v svoji disertaciji "Estetski odnosi umetnosti do resničnosti" (1855) pozval umetnike, naj prikažejo življenje v vsej njegovi resnici. "Reprodukcija življenja je splošna, značilna lastnost umetnosti, ki sestavlja njeno bistvo," je zapisal. Prav tako je menil, da je najpomembnejša naloga umetnosti presojanje grdih pojavov stvarnosti. Estetski pogledi Černiševskega so postali teoretična podlaga za nadaljnji razvoj ruske realistične umetnosti. Pisatelji in pesniki so črpali gradivo iz okoliške resničnosti neustrašno obsojali družbene pregrehe. Imeli so globoko sočutje do življenja ruskega kmeta, ki je tudi po reformi ostal brez pravic in obubožanosti. V 60. letih je kmečka tema v delu Nekrasova dobila najbolj živ izraz. Njegove nesmrtne stvaritve »Kdo dobro živi v Rusiji«, »Mraz, rdeči nos« in mnoge druge niso bile le jezna obsodba deformacij družbenega sistema, ampak tudi prava himna kmečkemu delu, močnemu, lepemu narodnemu značaju. .

Najpomembnejša tema v delih pisateljev 60-70 let je bil boj človeka za njegovo osvoboditev, za pravico do svobode in sreče. Umetnost prodiranja v globine človeških čustev in najfinejše psihološke analize, katerih velika mojstra sta se izkazala L. N. Tolstoj in F. M. Dostojevski, sta dosegli nesluten razcvet.

Progresivni misleci šestdesetih let so ob razmišljanju o prihodnjih poteh razvoja Rusije obrnili pogled v preteklost. V njej so skušali najti rešitev za zakonitosti družbenega razvoja. Zanimanje za zgodovino je prišlo do izraza v Tolstojevem veličastnem epskem romanu Vojna in mir. Ti trendi so se odražali v celotni ruski umetnosti. V slikarstvo prodirajo obtožujoči motivi. Tako kot pisatelji in pesniki so tudi slikarji v svojih slikah prikazovali »ne pregrehe posameznikov, ampak pregrehe družbe«. Na platnih V. P. Perova, I. E. Repina, I. N. Kramskoy in drugi, manj pomembni umetniki so obsodili pohlep in požrešnost duhovščine ("Čajanka v Mitiščih", "Pridiga na vasi" Perova) in obsodili kruto moralo, podkupovanje in arogantnost trgovcev in uradnikov. Repinova slika "Barge Haulers na Volgi" je postala spomenik mogočne moči ruskega ljudstva, ki se je pokazala v razmerah skoraj nečloveškega, izčrpavajočega dela, in hkrati galerija različnih ljudskih tipov. Portretna umetnost, ki se je razvila v 70. letih (Kramskoy, Repin), je pokazala subtilen prodor slikarskih mojstrov v človeško psihologijo. Zanimanje za zgodovinsko temo se je nekoliko kasneje pojavilo pri V. I. Surikovu, ki je v 80. letih ustvaril slike "Jutro Streltsyjeve usmrtitve", "Boyaryna Morozova", "Menshikov v Berezovu".

Tudi glasba ni stala ob strani. Ruski skladatelji so pokazali pretanjeno opazovanje in sposobnost nadarjenega zajemanja podob človeškega življenja. M. P. Musorgski je bil v tem pogledu pred vsemi. Prizori iz ljudskega življenja, osupljivi po resničnosti in natančnosti, glasbeni portreti ljudi iz kmečkega okolja so sestavljali prispevek Musorgskega h komorni vokalni glasbi 60. let. Med izjemne fenomene zgodovinske operne dramaturgije sodita njegovi operi Boris Godunov in Hovanščina. V obeh primerih so prikazana obdobja ruske zgodovine, ko so nasprotja med vrhom in dnom družbe razgreta do meje, ljudje pa delujejo kot mogočna sila, kot "srdit ocean" (Herzen), čeprav trpijo hude poraze. v boju za svobodo. L. P. Borodin se je v "Knezu Igorju" prav tako obrnil k zgodovini, vendar se za razliko od Musorgskega ni dotaknil družbenega konflikta v družbi, temveč je opeval enotnost, povezanost in domoljubje ruskega ljudstva pred napadom tujih zavojevalcev. Poleg tega je delo P. I. Čajkovskega, polno globoke liričnosti in človečnosti, postalo ogledalo kompleksnih procesov, ki se dogajajo v duši človeka, ki se bori za samopotrditev in osebno srečo.

Tako je bila pozornost osebnosti vseh vrst ruske umetnosti, ki so nastopale v 60-70-ih letih, v središču pozornosti ljudi in ljudi. Oseba s svojim kompleksnim duhovnim svetom, s sanjami o sreči, ljudje, ki so zatirani, trpijo, a nosijo v sebi ogromno moralno moč - to so junaki najboljših del tistih let. Z veliko raznolikostjo ustvarjalnih posameznikov in razlikami v specifičnih temah in motivih so veliki umetniki tega obdobja - Tolstoj in Dostojevski, Čajkovski in Musorgski, Rimski-Korsakov in Borodin, Repin in Kramskoj - vsak na svoj način odražali določene pomembne vidike in zgodovinskih tokov svoje dobe. Ruska glasba je bila, kot vidimo, tesno povezana z razvojem vse umetnosti. A ob vsem tem se je soočala tudi s svojimi posebnimi nalogami.

S splošnim dvigom glasbene kulture je bilo razmerje moči na glasbeni fronti zelo zapleteno. Progresivne ideje so se kazale na različne načine. V demokratičnem taboru so včasih prihajala do nesoglasij, predvsem glede konkretnih poti, po katerih je predviden nadaljnji razvoj ruske glasbe. Sprtima samima so se njihova stališča zdela nezdružljiva, medsebojno izključujoča, razprave, ki so prišle v tisk, pa so bile zelo burne. Zdaj nam je jasno, da so bila nesoglasja pogosto posledica mnogoterosti in zahtevnosti nalog, ki jih je pred glasbenike postavljalo samo življenje. Kasneje je iz sožitja in interakcije različnih smeri zrasla veličastna stavba ruske predoktobrske glasbe, ki jo odlikujeta vsebinsko bogastvo in raznolikost kompozicijskih stilov.

V 60. in 70. letih je glavna razmejitvena črta potekala med Antonom Rubinsteinom, Ruskim glasbenim društvom in konservatorijem na eni strani ter skupino skladateljev, ki jo je vodil Balakirev in ki se je v zgodovino zapisala pod imenom »Mogočna peščica«. «, na drugi strani.

"Mogočna peščica" je vključevala pet skladateljev, ki jih povezujejo skupna ustvarjalna načela: Balakirev, Cui, Musorgski, Rimski-Korsakov, Borodin (na zahodu jih imenujejo "pet"). Glasnik estetskih pogledov kučkistov je bil V. V. Stasov (1824-1906), človek ogromnega znanja in ognjevitega temperamenta.

»Mogočna peščica« ali, kot se imenuje tudi krog Balakireva, je bil značilen pojav svojega časa. Tako kot »Artel peterburških umetnikov«, ki ga je pozneje nadomestilo »Združenje potujočih razstav«, kot »Umetniški krog« v Moskvi, ki je združeval igralce, pisatelje, umetnike okoli Malega gledališča in dramatika A. N. Ostrovskega, je bila svobodna ustvarjalnost. Na ustvarjalnih načelih "Mogočne kučke" so se izobraževali številni peterburški skladatelji naslednje generacije, vključno z Glazunovom, Ljadovom in drugimi. Na splošno se je smer, ki so jo predstavljali kučkarji in njihovi učenci, imenovala "novi ruski muzikal". Šola.") Bistvo razlik med obema vodilnima smerema je bilo naslednje.

Rubinstein je povezal uspešen razvoj ruske glasbe s strokovnim študijem in razsvetljenstvom. (O izjemni zgodovinski vlogi prvih ruskih konservatorijev pri izobraževanju visokokvalificiranega glasbenega osebja je bilo že rečeno.) Toda hkrati so bili Rubinsteinovi glasbeni pogledi nekoliko akademski. Medtem ko je občudoval velike klasike glasbene umetnosti, je zlasti v zgodnjih dneh svojega delovanja podcenjeval potrebo po razvoju Glinkovih načel in nacionalnega ruskega glasbenega sloga. Balakirevci so nasprotno dajali prednost nadaljevanju Glinkinega dela in boju za ljudsko, nacionalno osnovo ruske glasbene ustvarjalnosti (kot smo že omenili, je na koncertih Svobodne glasbene šole potekala stalna propaganda del ruskih skladateljev) . To je bila moč pogledov Kuchka. Njihova šibkost pa se je izražala v tem, da so v boju za svobodno izražanje skladateljske ustvarjalne pobude na podlagi ljudskega izročila podcenjevali potrebo po sistematičnem strokovnem študiju in se sprva do konservatorija obnašali nezaupljivo in celo sovražno, kar so po krivici imeli le za gojišče tujih vplivov. Pouk v Brezplačni glasbeni šoli je obsegal predvsem zborovsko petje in osnovno glasbeno opismenjevanje.

Neodvisen položaj v ozadju dveh glavnih skupin - konservativcev in balakirjevcev - je zasedel glasbeni kritik in skladatelj A. N. Serov. Ko si je s svojo ustvarjalnostjo utiral pot v nove umetniške sfere in v veliki meri prispeval k razvoju ruske znanstvene in kritične misli, se ni identificiral z nobeno od takrat prevladujočih smeri. Njegova tiskana polemika s Stasovim okoli številnih glasbenih, zgodovinskih in estetskih problemov je pomembno prispevala k razširitvi ustvarjalnega in znanstvenega obzorja ruske glasbe.

Čajkovski se ni neposredno držal nobenega od obstoječih trendov. S Kučkisti je imel veliko skupnega (na primer ljubezen do folklore, skladanje programskih simfoničnih del). Na splošno pa sta skladatelja »Mogočne peščice« in Čajkovskega ubrala različni poti, čeprav sta ostala enako zastopnika najbolj demokratičnih tendenc v ruski glasbi 19. stoletja. Glavne teme v delu kučkistov so bile življenje ruskega naroda, zgodovina, ljudska verovanja in legende, osnova njihovega glasbenega jezika pa je bila kmečka pesem. Čajkovski se je najbolj izkazal kot tekstopisec, njegova glasbena govorica pa se je oblikovala na podlagi globoke implementacije mestnega pesemsko-romančnega stila.

Kot smo že omenili, razlike med posameznimi predstavniki naprednega tabora niso motile splošnega gibanja ruske glasbe naprej, temveč so k temu prispevale. In danes dajemo dostojno mesto vsaki glasbeni in družbeni osebnosti, vsakemu gibanju, ki je prispevalo k splošnemu zgodovinskemu razvoju ruske glasbene kulture v drugi polovici 19. stoletja.

Ustvarjalnost glasbenikov v 60-ih in 70-ih ni bila omejena na ozek nacionalni okvir. Po Glinki skladatelji v svoja dela široko uvajajo teme in podobe vzhoda: polovovski prizori v Borodinovem "Knezu Igorju", "Plesi Perzijcev" v "Hovanščini" Musorgskega, klavirska fantazija Balakirjeva "Islamey", "Šeherezada" Rimskega-Korsakova. in "Perzijske pesmi" A. Rubinstein, zbori in plesi v operi "Demon" in še veliko več). Čajkovski v svojem delu široko razvija ukrajinske ljudske teme (Prvi klavirski koncert, Finale Druge simfonije, opera Čerevički itd.). Italijanski, španski, poljski in drugi ljudski elementi še naprej prodirajo v rusko glasbo.

Toda večnacionalne vezi ruske glasbene kulture se niso pokazale le v ustvarjalnosti. Odprtje konservatorijev je glasbenikom iz Ukrajine, Zakavkazja in baltskih držav omogočilo študij v Rusiji.

Bodoči klasik ukrajinske glasbe N. V. Lysenko je študiral v razredu Rimskega-Korsakova. Kasneje, v 80. letih, je latvijski skladatelj J. Vitol študiral pri Rimskem-Korsakovu. Ta in številna druga dejstva pričajo o poglabljanju vezi med rusko glasbeno kulturo in glasbo drugih narodov. Obogatitev ruske glasbe s podobami, zgodbami in izraznimi sredstvi tujih kultur je razširila njene meje in razširila krog poslušalcev. Velikost dela ruskih glasbenikov bo še bolj očitna, če se spomnimo, da je bilo opravljeno v razmerah nenehnega nasprotovanja vladajočih krogov carske Rusije, cenzure in predstavnikov reakcionarnega tiska. Dvor še vedno ni bil naklonjen ruski glasbi in je bil naklonjen modnim tujcem. Opere ruskih avtorjev so težko prišle na oder cesarske operne hiše in so bile pogosto uprizarjane v okrnjeni obliki (tipičen primer je zgodovina produkcije Musorgskega »Boris Godunov«, kot prej - Glinkin »Ruslan«. in Ljudmila« in »Rusalka« Dargomyzhskega). Brezplačna glasbena šola je bila deležna stalnega preganjanja in finančne revščine. Niti javna predavanja o glasbi, ki jih je začel predavati Serov, niti časopis »Glasba in gledališče«, ki ga je izdajal, niso dobili uradne podpore.

Usoda mnogih vodilnih osebnosti je bila tragična. Musorgski je umrl prezgodaj, v stiski: Balakirev ni prenesel nenehnega boja. Po hudi živčni krizi se je v drugi polovici življenja popolnoma umaknil od dotedanjega živahnega družbenega in glasbenega delovanja. Zaradi spopadov z visokimi "pokrovitelji" je bil A. Rubinstein prisiljen odstopiti s položaja direktorja konservatorija.

Toda tudi v teh težkih razmerah se je ruska glasba še naprej razvijala po poti narodnosti in demokracije. V drugi polovici 19. stoletja je ruska glasbena umetnost dosegla svoj najvišji razcvet. V tem obdobju so bila razvita številna dragocena načela, ki so bila osnova pooktobrske sovjetske glasbe. Navsezadnje je bila prihodnost tista, za katero so skrbeli vsi napredni ruski umetniki tistega časa. »Dotikamo se velikih vprašanj in naša domovina Rus nas zanima predvsem s svojo veliko prihodnostjo, za katero želimo neumorno, nesebično in goreče delati« (N. Dobrolyubov).