Tradiciones del arte musical ruso. Tradiciones de canciones populares rusas. Mijaíl Ivánovich Glinka

Características del desarrollo histórico.

El siglo XVII destaca como una de las etapas más importantes en el desarrollo de la historia del Estado ruso. En el siglo 17 Se están produciendo importantes cambios y transformaciones en la vida social y la cultura rusas. Estas transformaciones fueron causadas por el fin del desarrollo de la Rus medieval y el comienzo de una nueva era asociada con la cultura de Europa occidental, lo que llevó a un choque de dos sistemas diferentes de pensamiento y conflictos posteriores. Los cambios afectaron a todos los aspectos de la vida en Rusia en el siglo XVII, incluida la cultura y el arte. El camino del desarrollo de la cultura rusa en el siglo XVII. Su camino se cruzó con Europa Occidental. En el arte ruso, que se desarrolló de forma aislada a lo largo de la Edad Media hasta la segunda mitad del siglo XVII, aparecieron nuevas formas de arte de Europa occidental. La forma de vida rusa está cambiando gradualmente.

Procesos de desarrollo histórico en el siglo XVII. caracterizado por conflictos sociales. A mediados del siglo XVII. El Estado ruso se está fortaleciendo y expandiendo, pero al mismo tiempo se está produciendo gradualmente la esclavización de los campesinos, como resultado de lo cual se está estableciendo la servidumbre, que durante muchos años ha supuesto una pesada carga para el campesinado ruso. Esto provocó descontento, disturbios y guerras campesinas.

siglo XVII se convirtió en una de las páginas más dramáticas de la historia rusa. Su inicio estuvo acompañado de acontecimientos desfavorables en política exterior 1 - la “época de los problemas” - años de tiempos difíciles, que fueron acompañados de continuas guerras que llevaron al país a la ruina. El hambre y las malas cosechas, las contradicciones internas, los levantamientos de las clases bajas urbanas, la guerra campesina encabezada por Ivan Bolotnikov (1606) y la lucha contra la intervención polaca caracterizan la situación a principios de siglo.

Acontecimientos no menos dramáticos están asociados con la segunda mitad del siglo XVII, marcada por la división de la Iglesia rusa y el movimiento de los Viejos Creyentes, la guerra campesina dirigida por Stepan Razin y los disturbios de Streltsy.

Las reformas de Pedro I introdujeron cambios importantes en la forma habitual de vida rusa. Las guerras exitosas fortalecieron al Estado ruso, contribuyeron al surgimiento de la autoconciencia nacional del pueblo ruso y comenzaron a mediados del siglo XVII. para fortalecer el poder de Rusia. En ese momento, Rusia incluía Ucrania, la región del Volga, una parte importante de Siberia y el Lejano Oriente. Muchos acontecimientos del siglo XVII. se reflejaron en el arte popular, en canciones históricas: canciones de hombres libres, compuestas en memoria del líder campesino Stepan Razin, muchas canciones trataban sobre Ermak, Grishka Otrepyev y el zarevich Dimitri asesinado, sobre Pedro I.

Rusia siglo XVII Experimentó largas guerras, devastación y serias transformaciones gubernamentales. Una situación similar se está desarrollando en todas partes en estos momentos. En el siglo 17 La lucha contra la contrarreforma está en marcha y en muchos países europeos está creciendo un movimiento popular en la lucha por la liberación nacional. Adquirió un alcance especial en Ucrania, finalizando con la reunificación de Ucrania con Rusia en 1654.

La vida musical en el siglo XVII.

La vida musical de esta época es multifacética y contradictoria. En él se entrelazan y luchan fenómenos nuevos y viejos, ideas dogmáticas medievales con nuevas europeas. Así, en 1648, el zar Alexei Mikhailovich emitió un decreto sobre la expulsión de los bufones e incluso la destrucción de sus instrumentos musicales: "¡Quemen los vasos de la fortuna!" (Tales instrucciones no fueron dadas por los príncipes ni siquiera en la Alta Edad Media). Pero pronto, por orden del mismo Alexei Mikhailovich, se inauguró en Moscú el primer teatro de la corte, que existió durante cuatro años (1672-1676).

Los instrumentos musicales llegan a Rusia desde Occidente. No sólo en la corte, sino también los boyardos empezaron a tocar música al “estilo alemán”; los occidentales ilustrados empezaron a tener órganos, clavicordios, flautas y violonchelos. En el siglo 17 En la Rusia moscovita, comenzaron a desarrollarse formas no cultas de tocar música casera: salmos y cantos.

Desde principios del siglo XVII. Se intensifica la creatividad de los cantantes rusos, aparecen muchos cánticos originales y de la tradición local, se difunden melodías del norte: Solovetsky, Tikhvin, Novgorod, Usolsky y las del sur: Kiev, Bulgaria, Grecia. Mayor desarrollo en el siglo XVII. encuentra la teoría de la notación znamenny, que condujo a reformas emprendidas primero por Ivan Shaidur y luego por Alexander Mezents. Ambos trabajaron para aclarar el nivel tonal de los signos: Shaidur introdujo las marcas de cinabrio, Mezenets introdujo los signos que permitieron descifrar la notación Znamenny en nuestro tiempo.

Historia de la música del siglo XVII. dividido en dos mitades; el primero todavía está asociado a las tradiciones de la Edad Media, pero en esta época ya se están introduciendo elementos correspondientes al nuevo espíritu de la época. De la segunda mitad del siglo XVII. (Con la llegada de los cantantes ucranianos a Moscú en 1652), comenzó una nueva etapa en el desarrollo de la música rusa, marcada por la aparición de la notación cinco lineales (Kiev) y la polifonía de tipo armónico europeo.

En la segunda mitad del siglo XVII. Los músicos rusos se familiarizan con la cultura musical de Europa occidental, con su teoría y práctica, técnicas de composición y nuevos géneros musicales. En acalorados debates se está formando una nueva estética del arte. Nacen tratados polémicos de partidarios del arte antiguo y nuevo.

La formación de un nuevo estilo tuvo lugar en el marco de la música religiosa. Su declaración resultó estar directamente relacionada con las reformas del Patriarca Nikon. Para los partidarios de los viejos rituales, el nuevo arte de estilo occidental era una cultura extraña y extraña; contradecía el antiguo canon ruso original.

El siglo XVII es un punto de inflexión; Como todos los puntos de inflexión, está plagado de conflictos. Nueva estética del arte en el siglo XVII. contrastado con el antiguo. Este conflicto se expresa en el arte e incluso en el lenguaje. Los problemas teológicos, lingüísticos y lingüísticos (disputas sobre nuevas traducciones de libros sagrados realizadas bajo el patriarca Nikon) se encuentran en el centro del conflicto entre los partidarios del antiguo (viejos creyentes, viejos creyentes) y el nuevo rito. Fueron acompañados de un conflicto provocado por el choque del arte antiguo y el nuevo. Los defensores del antiguo rito, que afirmaban los viejos ideales, vieron en la música de Partes la expansión del enemigo ideológico, el catolicismo, la influencia católica 2. Los partidarios del nuevo arte afirman un nuevo estándar estético. El arte occidental también se convirtió en un punto de referencia para los músicos rusos de finales del siglo XVII. Occidente comienza a ser percibido de diferentes maneras: para los defensores del nuevo arte (N. Diletsky, I. Korenev, S. Polotsky, I. Vladimirov) la cultura occidental se convierte en el estándar. Se esfuerzan por utilizar, repetir y copiar los mejores ejemplos occidentales. Para los partidarios de la vieja cultura, "fanáticos de la piedad antigua", todo lo occidental es ajeno, se convierte en objeto de negación y rechazo (Arcipreste Avvakum, Alexander Mezenets, etc.).

Los principios del estilo barroco se desarrollan en la estética y el sistema de creencias de los músicos y teóricos occidentales. Condenando a sus oponentes de ignorancia, rechazando el canto znamenny, su teoría y notación, Diletsky y Korenev afirman una nueva directriz de valores. Fundamentalmente nuevo en comparación con el medieval fue el concepto de música (musicia), que se utilizó por igual en relación con la música instrumental y vocal. Diletsky y Korenev reconocen la necesidad de utilizar el órgano en la formación de músicos, especialmente de compositores.

La oposición de estas culturas y su choque abierto provocaron un conflicto irreconciliable, que pronto siguió. Este conflicto de la época, reflejado en los viejos creyentes, sacudió toda la cultura rusa de la segunda mitad del siglo XVII. La ruptura que se produjo en él se manifestó tanto en la música como en la literatura, las bellas artes, la liturgia y el modo de vida.

La nueva música era un símbolo de una nueva conciencia religiosa, pero la lucha se desarrolló no sólo en el ámbito de la ideología y las disputas teológicas, sino que se expresó sustancialmente en la creatividad artística, en la polémica musical. La música de partes se asoció con la cultura católica occidental. “En Moscú cantan canciones, y no cantos divinos, en latín, y sus leyes y reglamentos son latinos: agitan las manos, mueven la cabeza y pisotean los pies, como es habitual entre los estudiantes latinos de órgano” 3 - esto Así denuncia el arcipreste Avvakum el nuevo canto latino, de estilo occidental, que se difundió en las iglesias de Moscú en el siglo XVII. “No hay nada que escuchar: los bailarines bufones cantan en latín”, se queja 4 .

El deseo de preservar y preservar la cultura de los viejos tiempos fue generalmente característico de muchas figuras del siglo XVII que se adhirieron a tendencias conservadoras y protectoras. D. S. Likhachev ve en este tipo de actividad de “restauración” un signo de un nuevo tiempo. Este tipo de fenómeno de “restauración” también incluye la nueva sistematización de los signos de notación znamenny en el ABC. Por ejemplo, en el "Aviso sobre marcas concordantes" del élder Mezenets, no solo se introdujeron marcas, sino también signos que simplificaron la lectura de los anzuelos. La corrección de libros, el canto de textos “para el habla” y la lucha contra la polifonía también pertenecen al mismo tipo de fenómenos.

Características del desarrollo del arte ruso del siglo XVII. y radica precisamente en el desarrollo dialógico de la cultura. Lo viejo, sin morir, convive con lo nuevo. Con la estabilización de los procesos artísticos e históricos, continúa desarrollándose por dos caminos: uno es el camino de los amplios contactos con la cultura de Europa occidental, que va en sincronía con el desarrollo de los estilos artísticos europeos, el otro es el camino de la conservación de lo antiguo. tradición en las comunidades de Viejos Creyentes, que protegieron su arte y sus antiguas tradiciones de las influencias externas durante tres siglos 5 . En ese momento se encontraban en una posición excepcional, siendo los portadores de la antigua fe y la antigua cultura, rodeados del nuevo arte en rápido desarrollo, eran los guardianes de la antigüedad.

La situación en la segunda mitad del siglo XVII. cercano a la situación del siglo XI. Al igual que en la Rus de Kiev en los siglos X-XI. Dos culturas diferentes chocaron: la pagana y la bizantina, en el siglo XVII. La antigua cultura medieval rusa entra en conflicto con la cultura de Europa occidental. En el siglo 17 Las contradicciones de estas dos culturas quedan expuestas, surge una oposición: "vieja" y "nueva". Asociada con lo “viejo” está la antigua tradición musical canónica medieval, bendecida por siglos; con lo “nuevo” está el estilo barroco, partes de polifonía de tipo occidental. El antiguo canto monódico y znamenny, como la pintura de iconos antiguos, aparentemente plano, unidimensional, se contrastaba con el arte volumétrico y polifónico del barroco. Crea una nueva sensación de espacio. Su textura, exuberante, multicapa, aireada, transmite una sensación de movimiento propia de todo tipo de arte de la época barroca.

Bajo la influencia de todos los shocks y cambios del siglo XVII. Los cimientos de la cosmovisión medieval comienzan a temblar. En las polémicas entre los partidarios del arte antiguo y el nuevo, poco a poco se va formando una nueva estética. El reemplazo de una dirección de estilo por otra se produjo en una intensa lucha provocada por una seria reestructuración de la cosmovisión. La transición del arte de la Edad Media al arte del Barroco se asoció con el fortalecimiento del principio secular, el desarrollo activo de nuevos géneros y formas musicales y un nuevo tipo de pensamiento musical.

El camino del desarrollo de la música polifónica rusa en la época barroca (desde mediados del siglo XVII hasta mediados del XVIII) llama la atención por su velocidad. Lo que el arte occidental ha dominado en 700 años, Rusia lo ha dominado en cien. En Rusia, las tradiciones del barroco de Europa occidental se inculcan de inmediato, pero en la versión rusa. El arte barroco joven, enérgico y fresco cautiva por su belleza, riqueza y colores llenos de sangre. Los conciertos policorales, que se difundieron primero en Ucrania y luego en la Rusia moscovita, sorprendieron a los oyentes con un esplendor sin precedentes.

Arte barroco de finales del siglo XVII - primera mitad del siglo XVIII. se asocia con la aparición de conciertos de partes (del latín partis - fiesta), llamados así porque, a diferencia del canto ruso al unísono, se cantaban en partes. La era barroca en Rusia estuvo asociada con el rápido florecimiento de la polifonía. Después de un reinado tan largo de la monodia, que duró casi 700 años, comienza un período de dominio de la polifonía. Partes composiciones polifónicas con 4, 8, 12: se crean hasta 48 voces y las obras con 12 voces se convierten en la norma. Se están desarrollando técnicas de escritura armónica y polifónica. De mediados del siglo XVII. Se está estableciendo un nuevo estilo de canto por partes, correspondiente a la época barroca, que se materializa en armonizaciones por partes de cantos antiguos, composiciones originales, cantos, salmos y conciertos.

El canto de concierto, traído a la Rus moscovita desde Ucrania, era un producto de la cultura europea. Desde Alemania e Italia, a través de Polonia, llega a Ucrania y luego a Moscú. Este camino era natural en aquel período del siglo XVII, cuando muchas influencias occidentales en el arte llegaron a Rusia, principalmente desde Polonia a través de Ucrania.

Influencia del suroeste en la Rus moscovita

A mediados del siglo XVII. Los vínculos directos de Rusia con Europa occidental se fortalecen significativamente, 6 pero la influencia de la Ilustración ucraniano-bielorrusa, que se intensificó desde la anexión de Ucrania a Rusia (en 1654), resultó ser especialmente importante en este momento. La unificación de Ucrania con Rusia contribuyó a la transformación de la cultura rusa. Al ser parte de la Commonwealth polaco-lituana, Ucrania ha dominado muchas características de la cultura católica polaca. A principios del siglo XVII. En Ucrania, bajo la influencia de la cultura polaca, se están formando nuevas formas de pensamiento artístico que están directamente relacionadas con la influencia de Europa occidental, especialmente la italiana. La cultura polaca a través de músicos ucranianos de mediados del siglo XVII. comienza a influir activamente en la cultura de la Rus de Moscú.

A mediados del siglo XVII. Científicos, cantantes y escribas ucranianos y bielorrusos se trasladan a Moscú. Entre ellos se encontraban el filólogo, traductor, profesor y autor de diccionarios ucraniano Epifaniy Slavinetsky, y el poeta y dramaturgo bielorruso Simeón de Pólotsk, que ocupó una posición destacada en la corte de Moscú como maestro de los niños reales.

Gracias a las actividades de estos educadores, se abren nuevas instituciones educativas: escuelas, colegios 7. Una de estas instituciones fue la Academia Eslava-Griega-Latina (1687), que sirvió como una institución de educación superior en la que se prestó mucha atención a la filología, las lenguas y la poesía. El centro cultural más grande fue el Monasterio de la Resurrección de la Nueva Jerusalén fundado por el Patriarca Nikon. Como señala Yu. V. Keldysh, el papel de este monasterio fue muy importante, aquí “surgieron y encontraron apoyo nuevas tendencias en el campo de la poesía y el canto eclesiástico, nuevos géneros musicales y poéticos” 8.

El canto en Ucrania siempre ha tenido el lugar principal. Los ucranianos eran muy musicales por naturaleza en los siglos XVI y XVII. Rápidamente mejoró sus habilidades para el canto, lo que fue facilitado por la lucha entre la ortodoxia y el catolicismo. La música ucraniana estuvo muy influenciada por la cultura musical polaca. La Unión 9 de 1596 facilitó la entrada del canto latino al coro. Esto tuvo un efecto particularmente fuerte en la parte suroeste de Ucrania, donde el dominio político de Polonia, la dependencia religiosa de los uniatas de Roma y los vínculos culturales con Polonia abrieron el camino para la difusión de la música de Europa occidental.

La penetración de la influencia polaca se vio facilitada en gran medida por numerosas hermandades del sur de Rusia, que competían con la influencia católica y entre sí. La lucha contra la influencia católica polaca obligó a los cantantes ucranianos a aprender a cantar nuevos y a utilizar las armas de sus oponentes. Se sabe, por ejemplo, que la hermandad de Lviv a mediados del siglo XVI. envió empleados a Moldavia para estudiar cantos griegos y serbios, y las ciudades gallegas enviaron empleados a estudiar cantos religiosos en Rumania.

El canto polifónico “órgano-vocal”, es decir, imitar el sonido de un órgano, se percibía en Rusia como una “herejía latina”, una tentación 10. En lugar de los anteriores poemas espirituales, se cantaban salmos y cantas, a menudo en polaco. La estética escénica ha cambiado. Las melodías severas y sobrias del canto de Znamenny fueron reemplazadas por melodías expresivas y “melifluas”. La diferencia entre los estilos de canto ucraniano y moscovita la demostró mejor el escritor árabe Pavel Alepo, que visitó Ucrania y Moscú en 1654-1656: “El canto de los cosacos agrada el alma y cura las penas, porque su melodía es agradable. viene del corazón y se interpreta como si sólo salieran de los labios; aman apasionadamente el canto musical, las tiernas y dulces melodías". En el "irmoloin" de Moscú, canto al unísono, P. Alepsky se sorprendió por la predilección de los rusos por las voces masculinas bajas: "Su mejor voz es áspera, espesa, grave, lo que no agrada al oyente. Así como nosotros Lo consideran una desventaja, por eso consideran que nuestra melodía es indecente. Se burlan de los cosacos por sus melodías, diciendo que son melodías de los francos y los polacos" 11.

En Ucrania en el siglo XVII. Está surgiendo un nuevo estilo de canto expresivo, se crean nuevos tipos de cantos monódicos. Manuscritos de canto ucranianos del siglo XVII. - Los irmologions están llenos de cánticos de cánticos locales. Sus nombres se asocian con mayor frecuencia con el lugar de su origen y distribución en Ucrania: Volyn, Lviv, Ostrog, Slutsk, Kremenets, Podgorsky. A veces, sus cánticos están asociados con la tradición monástica local del canto, con mayor frecuencia con los grandes monasterios: Suprasl, Kiev-Pechersk, Mezhigorsky, Kuteinsky. Pero los más comunes, que se hicieron ampliamente conocidos en Moscú, fueron tres: el de Kiev, el búlgaro y el griego. Al parecer, fueron traídos con ellos por cantantes ucranianos que llegaron a Moscú en los años 50. Siglo XVII, y en particular de la escuela de canto del Monasterio de la Hermandad de Kiev, cuyo fundador fue el famoso educador y político ucraniano Lazar Baranovich.

Los cantos de Kiev, búlgaros y griegos estaban escritos en notación de Kiev, estaban asociados con el sistema osmoglas y tenían algunas características estilísticas comunes que los distinguían del canto Znamenny. Se trataba de cantos en estrofas basados ​​en la repetición repetida de las melodías de estrofas con diferentes textos. En los nuevos cantos apareció una métrica y una periodicidad rítmica estrictamente definidas, que los acercaron a cantos y salmos, que tenían rasgos de melodicismo europeo, canto lírico e incluso bailabilidad. Así está cambiando gradualmente la estética de la antigua cultura del canto ruso. En lugar del estricto canto znamenny con una melodía en desarrollo interminable, como si se elevara sin métrica, vienen melodías métricas, más simples y parecidas a canciones, melódicas y fáciles de memorizar.

Los cantos del canto búlgaro se distinguen por su expresividad y melodía 12 . Su ritmo es simétrico, suele encajar en un compás de cuatro tiempos, el texto se canta de forma moderada, aunque también suelen encontrarse grandes cánticos intrasilábicos.

El canto griego 13 se caracteriza por el laconismo y la sencillez. Las melodías del canto griego son melodiosas y recitativas, con un ritmo simétrico. Se combinan en composiciones musicales basadas en variadas repeticiones de versos:

El canto de Kiev es una rama del canto Znamenny del sur de Rusia. Se basa en la estroficidad, el canto línea por línea del texto. En la melodía del canto de Kiev hay estructuras tanto recitativas como de canto; a menudo hay repeticiones de palabras y frases individuales del texto, lo que no estaba permitido en el canto de Znamenny. El canto de Kiev se difundió ampliamente en Moscú a partir de la segunda mitad del siglo XVII. Hay dos variedades conocidas de canto de Kiev: grande y pequeño (una versión abreviada del grande).

Además del canto de Znamenny, en Kiev se cantaron los textos más importantes de la Vida Cotidiana, los cantos cotidianos de la Vigilia Nocturna y la Liturgia y los cantos griegos. Hay muchos de ellos en el Irmologion del sur de Rusia. Con la introducción del canto por partes en la segunda mitad del siglo XVII. Aparecieron partes armonizadas polifónicas de los cantos de Kiev, búlgaros y griegos.

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Introducción

1. Cultura de la canción en Rusia en el siglo XIX.

2. Escuela rusa de composición

2.1 Mijaíl Ivánovich Glinka

2.2 Alexander Sergeevich Dargomyzhsky

2.3 "El puñado poderoso"

2.4 Piotr Ilich Tchaikovsky

3. Cultura musical rusa de principios del siglo XX.

Conclusión

Bibliografía

Introducción

Rusia en el siglo XIX dio un gran salto en el desarrollo de la cultura e hizo una contribución invaluable a la cultura mundial. Esto estaba predeterminado por varias razones. El auge cultural se debió al proceso de formación de la nación rusa durante la transición a nuevas relaciones capitalistas y al crecimiento de la autoconciencia nacional. Otro factor que contribuyó al desarrollo intensivo de la cultura rusa es la estrecha interacción con las culturas de otros países y pueblos. El pensamiento social de Europa occidental tuvo una gran influencia en la cultura rusa. La sociedad rusa aceptó los logros avanzados de las culturas de los países europeos, manteniendo al mismo tiempo la originalidad de su cultura nacional. La intelectualidad comienza a participar activamente en el desarrollo de la cultura nacional. Al principio, este estrato de la sociedad se formó entre los nobles y el clero, pero ya en el siglo XVIII. Aparecen los plebeyos, ya principios del siglo XIX. - intelectualidad sierva (actores, artistas, arquitectos, músicos, poetas). En el siglo XVIII y la primera mitad del XIX, el papel principal en el desarrollo cultural correspondía a la intelectualidad noble, en la segunda mitad del siglo XIX, a los plebeyos. Entre los plebeyos se encontraban representantes educados de la burguesía liberal y democrática, funcionarios, burgueses, comerciantes y campesinos. Por eso en el siglo XIX. En Rusia hay un proceso de democratización de la cultura. Crece el número de escritores, poetas, artistas, compositores y científicos de clases desfavorecidas.

En este ensayo intentaré dar una descripción general de la cultura musical de Rusia en el siglo XIX y principios del XX, para rastrear los orígenes y la continuidad del arte musical ruso. Es necesario resaltar la importancia de estudiar la historia de la cultura, ya que el presente se fundamenta en el pasado. Incluso las obras musicales más revolucionarias de nuestro tiempo están influenciadas directa o indirectamente por el pasado. El objetivo del ensayo es analizar el estado de la cultura musical en Rusia en el siglo XIX y principios del XX, identificar sus características, hablar sobre los compositores de esta época y sus obras, así como descubrir el significado de la música rusa de ese período. para la cultura mundial.

1. Cultura de la canción en Rusia en el siglo XIX.

En el siglo 19 Los compositores rusos prestaron gran atención al estudio del folclore y consideraron la música folclórica como una fuente de inspiración. Recogieron canciones populares y las utilizaron a menudo en sus obras. Aparecen nuevos géneros musicales, las formas antiguas (canciones cotidianas, canciones sobre el tema de las andanzas, canciones satíricas) se transforman bajo la influencia de nuevas condiciones de vida, la naturaleza de las imágenes y los medios entonativos y expresivos cambian. Los principales acontecimientos sociopolíticos de importancia nacional se reflejan en las canciones populares cotidianas. La Guerra Patria de 1812 se reflejó ampliamente en las canciones populares. Nos ha llegado un ciclo de canciones sobre 1812 relacionadas con la tradición del folclore oral. Son muy diversos en su contenido y formas musicales y poéticas. Esta guerra fue el motivo de la aparición de canciones líricas que capturaron el profundo dolor nacional, la tristeza, el dolor causado por los desastres de la Patria, la ruina de su tierra natal y la muerte de sus seres queridos.

La canción popular rusa ganó gran popularidad y se distribuyó en muchos arreglos originales: para coro, voz con acompañamiento e instrumentos individuales. En 1806-1815, la colección de Pracha se volvió a publicar varias veces. Sobre esta base, se crearon colecciones de canciones de acceso público.

Danila Kashin, que provenía de la servidumbre, ganó gran fama y creó muchas adaptaciones de canciones populares. En 1833-1834. Su colección "Canciones populares rusas" se publicó en tres partes. En los años cuarenta se reeditó la colección, lo que indica su popularidad.

Ivan Rupin también recopiló y procesó canciones campesinas; su obra se caracteriza por una síntesis de canciones populares y entonaciones románticas urbanas. Su apellido fue pronunciado por sus contemporáneos con la terminación italiana: Rupini, lo que indica su fama. En 1831 se publicó su colección de canciones. Simultáneamente con las transcripciones cotidianas de canciones populares, se desarrolla un romance lírico y sentimental. En este género se combina la sencillez de medios con la espontaneidad y sinceridad de expresión. Los compositores Alyabyev, Varlamov, Gurilev y Verstovsky fueron de gran importancia en la evolución de la novela romántica rusa del siglo XIX.

Alexander Alexandrovich Alyabyev (1787-1851) era de la nobleza. Sirvió en el ejército y participó en la Guerra Patria de 1812. Tras jubilarse, se dedicó a la creatividad. Alyabyev es autor de romances populares: "Te amé", "Winter Road" (ambos basados ​​en poemas de A.S. Pushkin), "The Nightingale" y otros. "The Nightingale" es una de las canciones más famosas de Alyabyev. Todo en él es sencillo y al mismo tiempo sincero. La canción está precedida por una introducción al piano. Desde las primeras entonaciones de la parte vocal se desarrolla una melodía cautivadora, suave y reflexiva. Inmediatamente cautiva con su espiritualidad.

Compositor Alexander Egorovich Varlamov (1801-1848) - autor de romances populares. Creó más de un centenar de obras de este género, en su mayoría basadas en poemas de poetas rusos ("El vestido de verano rojo", "Una ventisca barre la calle", "Al amanecer no la despiertes", "La vela solitaria es Blanco”, etc.). Varlamov también se distinguió como cantante, director de orquesta, guitarrista y profesor. Es autor de un libro de texto para cantantes: "La escuela completa de canto" (1840).

Alexander Lvovich Gurilev (1803-1858) era hijo de un músico siervo. Compositor, pianista, violinista, violista y profesor, Gurilev es conocido como autor de canciones y romances. Las más conocidas son sus canciones “Mother Dove”, “Bell”, “Sarafan”, “Swallow Floats” y los romances “Separation” y “You Can’t Understand My Sadness”. Además de las letras vocales, el compositor trabajó en los géneros de la música para piano, recopiló y arregló canciones populares.

El trabajo de Alyabyev, Varlamov y Gurilev es una contribución invaluable al tesoro de la música rusa. Sus canciones y romances todavía están incluidos en el repertorio de conciertos de cantantes, coros e interpretados por gente corriente.

Música rusa del siglo XIX. - Esta es una era brillante y brillante en el desarrollo de la cultura musical. Está asociado con la formación de una escuela nacional de composición e interpretación de importancia mundial. La introducción de los mejores logros musicales de Europa occidental tuvo un efecto beneficioso en la naturaleza general de su desarrollo, y la originalidad y la originalidad determinaron en gran medida la adhesión a las tradiciones populares. En el siglo 19 Surgieron nuevos géneros de música vocal y sinfónica. Se han logrado grandes avances en el arte de la ópera. El trabajo de compositores rusos tan maravillosos como M.I. Glinka, M.P. Mussorgsky, A.P. Borodin, N.A. Rimsky - Korsakov, P.I. Tchaikovsky, ingresaron al tesoro de la cultura musical mundial.

Romances “No tentar”; "Duda"; “No cantes, bella, delante de mí”; “Recuerdo un momento maravilloso”. Música sinfónica “Kamarinskaya”; "jota aragonesa"; "Noche en Madrid"; Ópera nacional rusa “Una vida para el zar” (“Ivan Susanin”). Cuento de ópera y hadas “Ruslan y Lyudmila”.

MAMÁ. Balakirev (1836 – 1910); Ts.A. Cuí (1835 – 1918); AP Borodín (1833 – 1887); MP Mussorsky (1839 – 18810; N.A. Rimsky-Korsakov ().

El organizador e inspirador ideológico de esta unión amistosa, creada a finales de la década de 1850, fue Mily Alekseevich Balakirev, un maravilloso pianista y compositor que logró unir a su alrededor no solo a los amantes de la música, sino también a talentosos intérpretes y compositores. Sus extraordinarias habilidades, sus excelentes habilidades interpretativas y artísticas, su versátil conocimiento musical y su mente aguda y perspicaz lo deleitaron y le proporcionaron una autoridad inquebrantable.

MAMÁ. Balakirev es autor de muchas obras maravillosas. Creó música para la tragedia "El rey Lear", los poemas sinfónicos "Tamara" basados ​​​​en poemas de M.Yu. Lermontov, “Rus” y “En la República Checa”, “Obertura española”, “Obertura sobre temas de tres canciones rusas”. Para el piano, su instrumento musical favorito, creó una fantasía oriental “Islamey”, inspirada en sus impresiones de un viaje al Cáucaso. Cuarenta romances, sonatas, mazurcas, nocturnos y valses, colecciones de canciones rusas son los mejores logros del compositor.

El legado creativo del compositor es bastante extenso: 14 óperas, entre ellas "El hijo del mandarín" (1859), "William Ratcliffe" (según Heinrich Heine, 1869), "Angelo" (basado en el drama de Victor Hugo, 1875), "Sarraceno" (según la trama de Alejandro Dumas, padre, 1898), "La hija del capitán" (según A. S. Pushkin, 1909), 4 óperas infantiles; obras para orquesta, conjuntos instrumentales de cámara, piano, violín, violonchelo; coros, conjuntos vocales, romances (más de 250), que se distinguen por la expresividad lírica, la gracia y la sutileza de la recitación vocal. El hijo del mandarín 1859 William Ratcliffe a Heinrich Heine 1869 Angelo trama del drama de Victor Hugo 1875 El sarraceno de Alexandre Dumas - padre 1898 La hija del capitán de A. S. Pushkin 1909 piano violín violón Chely romances

Alexey Porfirievich Borodin, un importante científico y químico, dedicó todo su tiempo a la investigación científica. Según él mismo admitió, sólo tuvo que componer música durante los períodos de enfermedad. La herencia creativa musical del compositor es pequeña, pero su contribución al desarrollo de la cultura musical rusa es significativa. Las obras de Borodin constituyen la gloria y el orgullo de la música rusa. Tres sinfonías; 15 romances basados ​​en poemas de poetas rusos; La única ópera "Príncipe Igor"

La herencia creativa de Modest Petrovich Mussorgsky, uno de los compositores rusos más destacados del siglo XIX, es inmensa y única. Su corta vida estuvo marcada por brillantes obras en el campo de la música sinfónica y operística. Después de graduarse de la escuela de alféreces de la guardia, abandonó su brillante carrera militar y se retiró en 1858 con el único pensamiento: dedicarse por completo a la música. Una tras otra, crea toda una serie de obras maestras musicales, que marcan una nueva era en la historia del arte musical.

Una página brillante de la cultura musical rusa del siglo XIX. Asociado con el trabajo de Nikolai Andreevich Rimsky-Korsakov. El comienzo de su carrera musical fue brillante. En 1867 pintó el cuadro sinfónico “Sadko”, basado en la famosa epopeya de Nóvgorod. Un año más tarde, el compositor escribió el cuadro sinfónico "Antar", basado en la trama de los cuentos populares árabes. Más tarde, en 1888, Rimsky-Korsakov volvió a recurrir a motivos orientales en la suite "Scheherazade", basada en cuentos árabes medievales de la famosa colección "Las mil y una noches".

Óperas "La mujer de Pskov", "La novia del zar", "La historia de la ciudad invisible de Kitezh y la doncella Fevronia", "La doncella de las nieves", "La historia del zar Saltan", "El gallo de oro", "Kashchei el Inmortal”, “Noche de Mayo”, “La noche antes de Feliz Navidad”, “Mozart y Salieri”; Alrededor de 80 romances (“Se apagó el día tormentoso”, “No es el viento que sopla desde las alturas”, “La cresta de nubes voladoras se adelgaza”)

La vida del destacado compositor ruso Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840 - 1893) abarcó sólo 53 años, y la extensa lista de obras que creó incluye diez óperas, tres ballets, nueve programas sinfónicos, conciertos, cuartetos, música para representaciones dramáticas, más de cien romances y muchos otros ensayos. Tchaikovsky dijo: “La inspiración es un huésped al que no le gusta visitar a los perezosos; ella se aparece a quienes la reconocen”.

Tchaikovsky logró encontrar su estilo único y original, que determinó su lugar especial en la historia de la cultura musical mundial. En el campo de la música sinfónica, desarrolló el género del poema sinfónico programado (“fantasía”, o “obertura de fantasía”). Las óperas ocupan un lugar importante en la obra de Tchaikovsky. Las mejores obras operísticas del compositor son Eugene Onegin y La dama de espadas. La música de ballet de P.I. está iluminada con una luz fabulosamente romántica. Tchaikovsky, en el que aparece no sólo como un brillante reformador, sino también como un pionero. El crítico musical G.A. Laroche escribió: “En términos musicales, El lago de los cisnes es el mejor ballet que he escuchado...”

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San Petersburgo.

Consulta para docentes de preescolar.

Tecnologías:

San Petersburgo 2015

Tradiciones musicales del pueblo ruso en la música clásica..

Discurso en el consejo pedagógico.

Metas y objetivos:

1. Introducir las tradiciones del pueblo ruso en las obras de los compositores clásicos rusos.

2. Ampliar ideas sobre la cultura musical rusa Gente rusa.

3. Desarrollo de la percepción estética y moral del mundo..

Tecnologías: Información e informática (TIC).

Información y comunicación.

"La canción popular, como una fabulosa fuente de agua viva, dio a los compositores fuerza e inspiración, les enseñó belleza y habilidad, les enseñó a amar la vida y a las personas".

D. B. Kabalevsky

El florecimiento de la cultura musical en el siglo XIX fue preparado por todo el curso de su desarrollo en Rusia. Durante siglos se han acumulado entre el pueblo preciosos manantiales del arte musical. La poesía y la música populares existían en la antigüedad y reflejaban toda la vida y la historia del pueblo: sus costumbres y rituales, su trabajo y lucha por la libertad, sus esperanzas y sueños de una vida mejor.

La música folclórica rusa tiene su origen en el folclore de las tribus eslavas que vivían en el territorio de Kievan Rus.La canción popular rusa es un tesoro de creatividad musical, “un ejemplo de verdad y belleza”, un activo invaluable del pueblo ruso, que es el representante de Rusia y, por lo tanto, el exponente de sus intereses, historia y cultura. La canción popular rusa es una confesión del pueblo eslavo sobre Rusia, su gran pasado, presente y futuro.

Entre los principales géneros de la música folclórica, se pueden distinguir canciones rituales de calendario, bodas, valorización, epopeyas, danzas, danzas circulares y canciones líricas, lamentos y lamentaciones, cancioneros. La música folclórica era más una canción que una instrumental (quizás influenciada por la prohibición de la iglesia de introducir instrumentos musicales en el templo).

La música clásica rusa también se alimentaba de melodías populares. Las canciones líricas populares tuvieron una fuerte influencia en el trabajo de los compositores rusos. Los compositores clásicos rusos recopilaron y estudiaron cuidadosamente canciones populares. Algunos de ellos, Balakirev, Rimsky, Korsakov, Lyadov, compilaron colecciones de canciones rusas para acompañamiento de voz y piano. A menudo utilizaban melodías rusas en sus obras. Y al componer sus propias melodías, introdujeron entonaciones, patrones de canto y giros melódicos característicos de las canciones rusas. La música de Borodin y Mussorgsky, Glinka y Tchaikovsky es comprensible y accesible para una amplia audiencia precisamente porque es rica en hermosas melodías y canciones.

En el siglo XVIII, sobre la base melódica de una antigua canción popular, llamada "campesina", apareció una canción urbana cotidiana. Casi todas las canciones de la ciudad utilizan los cánticos, las características modales y rítmicas de una canción antigua. Estamos acostumbrados a llamar a la canción de la ciudad un romance ruso. A menudo, el romance se caracteriza por una forma de verso; los romances se interpretaban con el acompañamiento de una guitarra, un piano y un arpa. El romance, como la canción rusa, reflejaba los pensamientos, estados de ánimo y experiencias de la gente corriente. Los mejores de ellos se difundieron oralmente, variaron libremente y gradualmente se convirtieron en canciones populares. Este fue el caso de la canción, el romance "Bell" de Alexander Lvovich Gurilev, con"vestido de verano rojo" Y “Una tormenta de nieve sopla por la calle”Alexander Egorovich Varlamov

La historia de la música clásica rusa comienza con la creatividad.Mijaíl Ivánovich Glinka. (1804 – 1857) Glinka entró en la historia de la cultura musical no solo como un gran compositor, sino también como fundador del estilo nacional, la nacionalidad en la música rusa. Los orígenes de la música de Glinka se encuentran en el arte popular ruso. Sus mejores obras están imbuidas del amor por la Patria, su gente y la naturaleza rusa.

"La gente crea música, y nosotros, los artistas, sólo la arreglamos (arreglamos la música, la decoramos)", dijo una vez M. I. Glinka.

En muchas de sus obras escuchamos melodías de canciones populares y ritmos de danza. Y toda la música de Glinka está imbuida de entonaciones extraídas de su folclore nativo, las más pequeñas frases que dan un sabor nacional único a sus obras.

Ópera "Iván Susanin"o "La vida para el zar", un heroico drama musical popular. En su obra, el compositor glorificó la hazaña heroica de un simple campesino ruso que sacrificó su vida en nombre de la Patria. La música de la ópera es profundamente nacional y parecida a una canción. pasemos a Las arias de Susanin del acto 4. "Te levantarás, mi amanecer"; a la canción – el romance de Antonida “No estoy de luto por eso, amigos míos” – conmovedoras entonaciones de lamentos populares;coro del epílogo "Salve", en el que la gente glorifica su tierra natal y a sus héroes caídos. El propio Glinka lo llamó un himno: una marcha..

Mikhail Ivanovich fue el primero en recurrir al género de los cuentos de hadas. primer rusofabuloso - ópera épica"Ruslán y Ludmila"fue escrito basándose en la obra inmortal del fundador de la poesía nacional rusa, A. S. Pushkin. Está imbuido de heroísmo popular, la grandeza de la epopeya y el patriotismo. V. F. Odoevsky escribió después del estreno: "En el suelo musical ruso ha crecido una flor lujosa: es nuestra alegría, nuestra gloria".

A las mejores obras de M.I. Glinka, escrita sobre una base folclórica, pertenece afantasía sinfónica “Kamarinskaya”,en el que, según el compositor P. I. Tchaikovsky, “como un roble entero en una bellota”, está contenida toda la escuela sinfónica rusa. Fue escrito en 1848 sobre los temas de dos canciones rusas: la letra nupcial "Por las montañas, altas montañas" y la animada canción de baile.

La segunda mitad del siglo XIX fue una época de gran florecimiento de la música rusa, así como de todo el arte ruso. En la creatividad musical de los años 60, el lugar principal lo ocuparon Tchaikovsky y un grupo de compositores que formaban parte deCírculo Balakirevsky. Estamos hablando del “Puñado Poderoso”, que incluía a Balakirev, Cui, Mussorgsky, Borodin y Rimsky-Korsakov. Los compositores del "Mighty Handful" se llamaron a sí mismos herederos de Glinka y vieron su objetivo en el desarrollo de la música nacional rusa.

Entre los compositores del “Mighty Handful”Modesto Petrovich Mussorgsky (1839 – 1881) Fue el más destacado exponente en la música de las ideas revolucionarias y democráticas de los años 60 del siglo XIX. Fue Mussorgsky quien, con gran fuerza acusatoria, supo revelar en la música la dura verdad sobre la vida del pueblo ruso, recrear, como dijo V.V. Stasov, “todo el océano del pueblo ruso, la vida, los personajes, las relaciones, las desgracias. , carga insoportable, humillación”.

Todo el poder del talento de Mussorgsky se reveló enópera "Boris Godunov"Basado en la tragedia de A. S. Pushkin. En la tragedia de Pushkin, Modest Petrovich se sintió atraído por la oportunidad de recrear en la ópera el despertar de la fuerza del pueblo, que resulta en un descontento abierto y, al final, en un levantamiento espontáneo. Los personajes de la ópera de Mussorgsky son los personajes principales. Ya en la primera imagen hay un tema lúgubre, cercano a las canciones populares rusas,“¿A quién nos dejas, padre nuestro?”En este grito surge la imagen del propio pueblo: oprimido y hambriento.

En el clímax de la tercera escena suena un coro de rebeldes.“La fuerza valiente se ha dispersado y enloquecido”, construido sobre las entonaciones de canciones de capa y espada. La creación del drama musical popular, que revela profundamente la vida del pueblo ruso y sus destinos históricos, fue una etapa importante en el desarrollo del teatro musical.

"Cuadros de una exposición"fueron escritas por Mussorgsky bajo la impresión de una exposición de obras del artista Viktor Hartmann, amigo del compositor, que murió repentinamente. La idea de transmitir impresiones visuales en imágenes musicales fascinó a Mussorgsky. Cada pieza de este ciclo, que se puede denominar suite, es un cuadro musical inspirado en tal o cual dibujo. Hay fotografías cotidianas, pequeños bocetos de personajes humanos, paisajes e imágenes de cuentos de hadas y epopeyas rusas.

"Una choza sobre muslos de pollo"Dibuja una imagen de cuento de hadas de Baba Yaga. El artista representa un reloj con forma de cabaña de cuento de hadas. Pero en la música de Mussorgsky no es una hermosa choza de juguete la que está encarnada, sino su dueña, Baba Yaga. La obra rezuma una escala épica y destreza rusa.

En la imagen se siente un parentesco aún mayor con la música folclórica rusa y con las imágenes de epopeyas:"Puerta de los héroes"Mussorgsky escribió esta obra bajo la influencia del boceto arquitectónico de Hartmann "Las puertas de la ciudad de Kiev". La entonación y el lenguaje armónico de la música se acercan a las canciones populares rusas. El carácter de la obra es majestuoso: tranquilo y solemne. Así, la última imagen, que simboliza el poder de los nativos, completa naturalmente todo el ciclo.

Alejandro Porfirievich Borodin(1833 – 1887) continuó en gran medida las tradiciones de Glinka. En su música, el compositor encarnó la grandeza y el poder del pueblo ruso, los rasgos de carácter heroico del pueblo ruso y las majestuosas imágenes de la epopeya nacional. Y junto a esto, en la obra de Borodin hay imágenes líricas, sinceras, encantadoramente sinceras, llenas de pasión y ternura. El principal medio de expresión musical es siempre la melodía: amplia, parecida a una canción, plástica. El colorido y el brillo son inherentes al lenguaje armónico de Borodin.

Una obra maravillosa de la literatura rusa antigua del siglo XII, "El cuento de la campaña de Igor", cautivó al compositor y lo inspiró a crear una ópera. Buscó en las bibliotecas materiales sobre la historia de la Rus de Kiev, canciones rusas antiguas y melodías de los pueblos orientales.“Príncipe Igor” - ópera lírico-épica, se basa en las entonaciones de canciones populares: rusas y orientales. Rusia y Oriente se muestran en la ópera de forma multifacética y veraz. En esto Borodin era seguidor de M.I. Glinka.

gente solemnecoro “¡Gloria al sol rojo!”en el prólogo se basa en los giros melódicos de las canciones rusas. En su composición se acerca a los majestuosos coros de las óperas de Glinka. La melodía del coro se acerca a las melodías de antiguas canciones rituales y épicas rusas.

Aria de Igor – uno de los mejores lugares de la ópera. Representa claramente al personaje principal: un guerrero valiente y valiente, dispuesto a luchar por su tierra natal y, al mismo tiempo, una persona que sufre y con un corazón amoroso. Contiene tres temas: el tema del sufrimiento mental, el heroico y el lírico.

El grito de Yaroslavna. Surge de voces y lamentos folclóricos antiguos con sus entonaciones características. En su lamento, Yaroslavna es representada como una simple mujer rusa que lamenta la derrota del ejército de Igor y la devastación de la región. La melancolía y el dolor se acentúan comparándola con un cuco amargo. Esta imagen se encuentra a menudo en el folclore ruso.

La ópera "Príncipe Igor" es una de las mejores creaciones de los clásicos de la ópera. Glorifica el espíritu heroico del pueblo, su resiliencia, patriotismo y belleza espiritual.

Nikolái Andréievich Rimski – Korsakov(1844 – 1908) ocupa un lugar especial entre los compositores del “Mighty Handful”. Con su obra, el cuento de hadas floreció en la música rusa. Los cuentos de hadas y las canciones siempre han sido el alma del pueblo. Fue en el cuento de hadas donde la gente expresó el brillante sueño de una vida mejor, del triunfo de la verdad y la victoria del bien sobre el mal, la violencia y la injusticia.

Ópera "Sadkó" Rimsky-Korsakov la llamó epopeya. Durante mucho tiempo estudió varias versiones de la epopeya sobre el guslar de Novgorod y el navegante Sadko. La acción de esta ópera se desarrolla en Novgorod. Qué viva aparece la ciudad en la ópera: con el ruido de las ricas galerías comerciales, con los invitados extranjeros, los bufones y con las costumbres de la antigüedad. El personaje principal de la ópera es el joven y atrevido guslar y cantante Sadko. Grande es el poder de sus canciones: hechizó a la belleza, la princesa, la hija del formidable Rey del Mar, el gobernante. Hay muchos milagros en esta ópera, una epopeya, majestuosamente sencilla y un poco triste. Y la música de la ópera es excepcionalmente hermosa. Varias escenas están escritas en un patois épico tranquilo y cantarín, por ejemplo.recitativo y aria de Sadko “Si tan solo tuviera un tesoro de oro”.También se utilizan auténticas melodías épicas, por ejemplo en el coro “Is Height, Height in Heaven”.

Ópera "La doncella de las nieves"Basado en la trama de la obra de A. N. Ostrovsky, una de las obras más bellas e inspiradas de Rimsky-Korsakov. La ópera tiene lugar en el reino de cuento de hadas de los Berendey, donde todas las personas son amables, justas y aman el arte. La mentira y el engaño se consideran delitos. Los Berendeys adoran la naturaleza y el sol. Con gran calidez, el compositor reprodujo en su ópera antiguas costumbres y rituales. Una descripción veraz de la vida de las personas y de la vida cotidiana se combina con el mundo de la fantasía y los cuentos de hadas. Tsar Berendey, Kupava, Lel, Mizgir, Bobyl y Bobylikha son imágenes realistas. La primavera es roja y Papá Noel están dotados de rasgos humanos.

En el prólogo de la ópera, Rimsky-Korsakov inserta un antiguo ritual ruso: despedir a Maslenitsa.. La efigie de paja fue disfrazada, llamada Maslenitsa, llevada cantando por las calles del pueblo y quemada por la noche. Con esto esperaban acelerar la llegada de la primavera.El alegre alboroto por el animal de peluche se refleja enCoro "Adiós, Maslenitsa"La melodía se basa en los giros melódicos de antiguas canciones rituales.

"La canción de Lelya" Comienza con un solo de clarinete tocando una auténtica melodía folklórica. La melodía de la canción en sí se basa en frases y cánticos populares. Es característico el cambio de estados de ánimo mayores y menores, característico de las canciones populares, que indica variabilidad. La canción comienza lenta y prolongada. Pero poco a poco su ritmo se acelera y la canción se convierte en un elegante baile circular con el estribillo “My Lel, my Lel, leli, leli, Lel”.

Peter Ilich Tchaikovsky(1840 - 1898) dedicó toda su obra al hombre, su amor por la Patria y la naturaleza rusa, sus aspiraciones de felicidad y la valiente lucha contra las fuerzas oscuras del mal. La música sinfónica ocupa un lugar importante en la obra de Tchaikovsky. ContenidoPrimera sinfonía “Sueños de invierno”- Estos son pensamientos y sentimientos líricos de una persona, así como imágenes de la naturaleza. En los temas de esta sinfonía se pueden escuchar las entonaciones expresivas de las persistentes canciones líricas rusas. La introducción del final se basa en la melodía de la canción popular rusa “The Flowers Blossomed”. La parte principal del final es brillante, alegre y con rasgos de baile. En carácter, se acerca a las melodías de baile de capa y espada.

Gran compositor soviéticoSerguéi Serguéievich Prokófiev(1891 – 1953) se considera, con razón, un clásico del siglo XX. En su obra transmitió el sistema de sentimientos de sus contemporáneos, los agudos enfrentamientos dramáticos de la época y la fe en la victoria de un comienzo brillante en la vida. Prokofiev es un artista valiente e innovador. Abrió nuevos mundos en la música: en el campo de la melodía, el ritmo, la armonía y la instrumentación. Al mismo tiempo, su arte está asociado con las tradiciones de los clásicos rusos. En las obras de Prokofiev, la historia cobra vida ante nosotros en la cantata "Alexander Nevsky", la ópera "Guerra y paz", en la música de la película "Iván el Terrible". Escritas en los años 30 y 40, estas obras están imbuidas de amor a la patria, glorificando al pueblo, su grandeza y fortaleza. Desarrollan la línea heroico-épica de los clásicos musicales rusos, provenientes de “Ivan Susanin” de Glinka, “Príncipe Igor” de Borodin, “Boris Godunov” de Mussorgsky.

Cantata "Alejandro Nevski"surgió de la música de la película, que fue puesta en escena en 1938 por el destacado director de cine soviético Sergei Mikhailovich Eisenstein. La película y su música, creada poco antes de la guerra, resucitaron en la pantalla la heroica lucha del escuadrón de Alexander Nevsky con los caballeros teutónicos. La cantata tiene 7 movimientos.

"Canción sobre Alexander Nevsky"- segunda parte de la cantata. La música es majestuosa y estricta. Parece un fresco de un antiguo pintor ruso que representaba a un guerrero severo y devoto de su tierra natal. La canción habla de la victoria sobre los suecos y advierte: "Quien venga a Rusia será asesinado a golpes". Tanto el texto como la música tienen el espíritu épico característico de las antiguas epopeyas rusas.

"Levántense, pueblo ruso"- la cuarta parte de la cantata es un llamado a luchar por la tierra rusa. En la melodía, en sus entonaciones enérgicas persistentemente repetidas, se escuchan gritos de batalla y llamamientos. El ritmo de la marcha enfatiza el carácter heroico de la música. Y aquí vemos una combinación de tradiciones musicales con las técnicas musicales modernas de Prokofiev. En la parte media suena el tema “En Rusia es grande, en Rusia no hay enemigos nativos”: melodioso, brillante, libre.

"Batalla sobre el hielo"- la quinta parte de la cantata. En él, el compositor muestra imágenes de perros: cruzados y guerreros del escuadrón ruso. Si en la caracterización de los rusos había melodías basadas en varias entonaciones de canciones, entonces en la música que caracteriza a los invasores apareció un tema escrito en el espíritu de un coral católico. En lugar de armonías diatónicas claras y coloridas, aparecen combinaciones disonantes aterradoras. En lugar de los melodiosos timbres “humanos” de las cuerdas, hay timbres cortantes, aullantes y penetrantes de instrumentos predominantemente de metal..

Los temas principales de los caballeros ya se escucharon en la tercera parte de la cantata "Cruzados en Pskov". En la música de Prokofiev, los caballeros teutónicos galopan “con la inexorabilidad de una columna de tanques de sus repugnantes descendientes” (así lo dijo Eisenstein, sorprendido por la música). La entrada en batalla del escuadrón del príncipe está marcada por el enérgico sonido del tema de la trompeta. del coro “Levántate, pueblo ruso”.En los episodios culminantes, temas opuestos chocan entre sí y los temas suenan simultáneamente, cada uno en su propia tonalidad: ruso en re mayor, cruzados en do sostenido menor. Aparece un sonido bitonal que con su agudeza enfatiza la severidad de la pelea. La asombrosa “visibilidad” de las imágenes también se encuentra en la imagen de la muerte de los cruzados. El crujido del hielo, las frías olas oscuras y el sombrío drama de lo que está sucediendo se transmiten a través de medios orquestales. Una enorme tensión sinfónica se resuelve al final de todo el cuadro. El tema ruso "Big in Rus" suena tranquilo y ligero. Esta es la música de paz y silencio que llegó a la tierra liberada.

En la sexta parte “Campo Muerto” - Se encarna una imagen lírica y lúgubre. Después de la Batalla del Hielo, una novia busca a su novio entre los soldados rusos que murieron en el campo de batalla. La imagen es simbólica: la Patria llora a sus hijos. Las entonaciones de lamento, provenientes de los lamentos populares rusos y de los lamentos clásicos (el lamento de Yaroslavna), se escuchan en la música de Prokofiev. La melodía vocal destaca por su combinación de intensa expresividad y moderación. La melodía es profundamente triste, pero su movimiento es suave y estricto.

La cantata termina con un final solemne y majestuoso."La entrada de Alexander Nevsky en Pskov", donde suenan temas rusos familiares. En la cantata "Alexander Nevsky", Prokofiev glorificó la victoria del pueblo ruso sobre los invasores, la victoria de la humanidad sobre la crueldad y la injusticia.

Todo el mundo conoce el poder cautivador de las canciones populares rusas. Tienen la capacidad no sólo de penetrar profundamente en el alma, sino también de evocar empatía.

La canción popular y, en general, todo el folclore musical, es la base de la composición profesional.

Este maravilloso mundo de la música se ha convertido en una parte integral de nuestras vidas, ha confirmado su derecho a existir, habiendo superado la larga prueba del tiempo.

En los años 60 y 70 del siglo pasado, la música rusa experimentó una época de gran prosperidad. Si el final del siglo XVIII fue el momento de la creación de una escuela profesional de composición en Rusia, y la primera mitad del siglo XIX, marcada por el genio de Glinka, estableció la importancia de la música clásica rusa fuera de Rusia, ahora rusa. La música se está convirtiendo en una de las principales culturas musicales que determinan el futuro desarrollo de todo el arte musical europeo.

Durante este período, apareció toda una galaxia de destacados compositores, que reflejaron de manera multilateral y profunda la vida de la sociedad rusa en sus obras. Este vigésimo aniversario incluye la creación de obras inmortales como las óperas “Boris Godunov” y “Khovanshchina” de Mussorgsky, “Príncipe Igor” de Borodin, “La mujer de Pskov” de Rimsky-Korsakov, “Eugene Onegin” de Tchaikovsky, ballet “El lago de los cisnes”, la primera y segunda sinfonías de Borodin, las cuatro primeras sinfonías de Tchaikovsky y mucho más.

Pero esta época no estuvo marcada sólo por la creación de las obras más brillantes. Se están produciendo cambios radicales en toda la vida musical. La música rusa, que antes se desarrollaba en la ciudad sólo en los salones aristocráticos, los teatros de la corte y en la vida hogareña, ahora recibe una amplia audiencia. Aparecen organizaciones de conciertos que promueven sistemáticamente el arte de la música. A los teatros acude un público democrático: estudiantes, intelectuales y empleados menores.

El resurgimiento de la vida concertística estuvo estrechamente relacionado con los nombres de muchos intérpretes destacados: instrumentistas y cantantes. Entre ellos se encuentran los pianistas hermanos Anton y Nikolai Rubinstein, los violinistas G. Wieniawski y L. Auer, los violonchelistas K. Yu. Davydov y A. V. Verzhbilovich, los cantantes O. A. Petrov, F. I. Stravinsky, I. A. Melnikov, Yu. F. Platonova, E. A. Lavrovskaya, P. A. Khokhlov , M. A. Slavina y otros. El director E. F. Napravnik hizo una gran contribución al desarrollo de la ópera.

El mayor acontecimiento histórico fue la creación en 1859 en San Petersburgo, por iniciativa de A. G. Rubinstein, de la Sociedad Musical Rusa (RMS), que se fijó el objetivo de “desarrollar la educación musical y el gusto por la música en Rusia y fomentar los talentos nacionales”. " Rubinstein, una destacada figura musical y pública, pianista, compositor y director, se convirtió en el director de los conciertos de RMO. La importancia de estos conciertos fue enorme. Aquí un amplio público conoció, a menudo por primera vez, las obras de Bach y Handel, Beethoven y Mendelssohn y muchos otros compositores importantes. Pronto aparecieron sucursales de RMO en otras grandes ciudades de Rusia: Moscú, Kiev, Kazán, Saratov.

También jugaron un papel destacado los conciertos de la Escuela Libre de Música, fundada por el director de la nueva dirección musical M. A. Balakirev y el director del coro G. Ya. Lomakin. Aquí, bajo la dirección de Balakirev, se interpretaron principalmente obras de compositores rusos, que la aristocracia capitalina estaba acostumbrada a tratar con desdén. Además de las obras de Glinka y Dargomyzhsky, también se podían escuchar nuevas piezas, obras recién escritas por jóvenes músicos rusos. Por primera vez, en los conciertos de la Escuela Libre de Música se interpretaron varias obras importantes de compositores extranjeros contemporáneos: Berlioz, Liszt, Schumann: la sociedad rusa se enfrentó al problema a gran escala del personal musical nacional. Después de todo, antes de eso, ¡no existía ni una sola institución educativa musical especial en Rusia! Gracias a los esfuerzos de A. Rubinstein, se abrieron clases de música en San Petersburgo en la Sociedad Musical Rusa y, en 1862, se abrió el primer conservatorio en Rusia. Rubinstein se convirtió en su primer director. En 1866 se inauguró el Conservatorio de Moscú, dirigido por N. Rubinstein. Al igual que el de San Petersburgo, se convirtió en un verdadero centro de educación e iluminación musical. En la segunda mitad del siglo XIX, en ambos conservatorios se formaron muchos músicos destacados: compositores e intérpretes. Entre los primeros graduados del Conservatorio de San Petersburgo se destaca P. I. Tchaikovsky, quien inmediatamente después de completar su educación asumió el cargo de profesor en el Conservatorio de Moscú. En 1871, N. A. Rimsky-Korsakov se convirtió en profesor del Conservatorio de San Petersburgo.

Los años 60 y 70 estuvieron marcados por grandes cambios en el campo de la ciencia y la crítica musical. Oradores en la prensa: V.V. Stasov, A.N. Serov y Ts. A. Cui estuvieron en estos años a la vanguardia de la lucha por un arte musical ruso avanzado y distintivo a nivel nacional. Dedicaron muchos esfuerzos a la promoción de la nueva música, el desarrollo de la ciencia musical y la difusión del conocimiento musical entre la población en general. El compañero de estudios de Tchaikovsky en el conservatorio, G. A. Laroche, también hizo mucho en esta dirección.

En todos los aspectos, la cultura musical estaba en proceso de renovación. Comenzaba una era verdaderamente nueva de la música rusa. Todo esto fue posible en el contexto de los serios cambios que se estaban produciendo en ese momento en todos los ámbitos de la vida social del país. Los años 60 y 70 del siglo XIX fueron en Rusia una época de extraordinario crecimiento de la autoconciencia nacional, la fuerza espiritual de el pueblo, un período de mayor florecimiento de la ciencia y la cultura. Y esto, a su vez, se debió a cambios significativos en la vida sociopolítica del país.

La crisis del sistema de servidumbre feudal se hizo sentir allá por los años 50. La Guerra de Crimea de 1853-1856, que terminó con la vergonzosa derrota del gobierno zarista, profundizó las contradicciones internas que atormentaban al país. La guerra "mostró la podredumbre y la impotencia de la Rusia sierva" (V.I. Lenin), intensificó los desastres públicos y provocó una poderosa ola de indignación popular. Se estaba gestando una revolución campesina. Para impedirlo, el gobierno de Alejandro II se vio obligado a abolir la servidumbre. Sin embargo, la reforma, que no proporcionó tierras a los campesinos, en realidad sólo condujo a una mayor ruina del pueblo.

En los años 60 del siglo XIX surgieron en Rusia nuevas fuerzas sociopolíticas que enarbolaron la bandera de la lucha por la libertad contra la autocracia y los restos de la servidumbre. Eran plebeyos, gente de estratos democráticos, intelectuales de mentalidad revolucionaria. V. I. Lenin destacó este período como la segunda etapa de la lucha de liberación, llamándola etapa democrático-burguesa o raznochinsky. La propaganda democrática estuvo a cargo de N. G. Chernyshevsky, N. A. Dobrolyubov y el poeta N. A. Nekrasov. Si a finales de los años 50 el pensamiento democrático avanzado fue despertado por la voz de "Bell" de Herzen, ahora su trabajo fue continuado por la revista "Contemporáneo" de Chernyshevsky - Dobrolyubov - Nekrasov, que defendió consistentemente las ideas de la lucha democrática revolucionaria.

Dobrolyubov hizo apasionados llamados a la liberación en las páginas de Sovremennik: Levántate, Rus, a la hazaña de la gloria, - ¡La lucha es grande y santa!... Toma tu derecho sagrado De los viles caballeros del látigo... Encarcelado en el Fortaleza de Pedro y Pablo, Chernyshevsky escribió en 1863: "¡Toda la tierra es tierra de campesinos, no hay rescate!", "¡Fuera, terratenientes, mientras vivas!" Chernyshevsky propuso la idea de una renovación completa de las relaciones sociales. En su novela “¿Qué hacer?” Creó imágenes de nuevas personas que defendían su dignidad humana y el derecho a la libre actividad laboral. La influencia de Chernyshevsky sobre la juventud progresista y los estudiantes democráticos revolucionarios fue enorme: según un contemporáneo, "ellos... lo conocían de memoria, juraban por su nombre".

La mayor intensidad de la lucha por la liberación se reflejó en el hervor de un pensamiento ruso fresco y razonable. “Fue una época increíble”, recuerda uno de los camaradas de Chernyshevsky: “Todos querían pensar, leer, estudiar, todos los que tenían algo en el alma querían hablar en voz alta. El pensamiento, que había estado dormido hasta ese momento, comenzó a oscilar, a temblar y a actuar. Su impulso era fuerte y sus tareas enormes. No se trataba de hoy de lo que estábamos hablando aquí; se estaba pensando y decidiendo el destino de las generaciones futuras, el destino futuro de toda Rusia”.

Los éxitos de la ciencia rusa en los años 60 y 70 fueron grandes. El sistema periódico de elementos de D. I. Mendeleev, el trabajo en el campo de la investigación del sistema nervioso humano de I. M. Sechenov, la investigación de I. I. Mechnikov en el campo de la bacteriología y K. A. Timiryazev en fisiología vegetal: estos son sus logros más importantes. Durante este período surgieron durante muchos años importantes direcciones de desarrollo para una serie de ciencias exactas y ciencias naturales. Los éxitos de un amplio frente científico se asociaron con el crecimiento de la ilustración. Se abrieron nuevas sociedades científicas: la Sociedad Geográfica Rusa, la Sociedad de Amantes de la Historia Natural, etc. Se fundaron nuevas instituciones de educación superior (por ejemplo, la Universidad de Odessa, la Escuela Técnica Superior de Moscú, los Cursos Superiores para Mujeres de San Petersburgo). ), y se llevaron a cabo reformas en el campo de la educación.

Las ideas democráticas revolucionarias influyeron significativamente en el desarrollo posterior de la literatura y el arte. Chernyshevsky, en su disertación "Las relaciones estéticas del arte con la realidad" (1855), llamó a los artistas a mostrar la vida en toda su verdad. “La reproducción de la vida es un rasgo general y característico del arte, que constituye su esencia”, escribió. También consideraba que la tarea más importante del arte era juzgar los feos fenómenos de la realidad. Las opiniones estéticas de Chernyshevsky se convirtieron en la base teórica para el desarrollo posterior del arte realista ruso. Tomando material de la realidad circundante, escritores y poetas denunciaron sin miedo los vicios sociales. Sentían una profunda simpatía por la vida del campesino ruso, que seguía privado de sus derechos y en la miseria incluso después de la reforma. En los años 60, el tema campesino recibió su expresión más vívida en la obra de Nekrasov. Sus creaciones inmortales "Quién vive bien en Rusia", "Frost, Red Nose" y muchas otras fueron no solo una denuncia airada de las deformidades del sistema social, sino también un verdadero himno al trabajo campesino, un carácter nacional fuerte y hermoso. .

El tema más importante en las obras de los escritores de los años 60 y 70 fue la lucha de la persona humana por su emancipación, por el derecho a la libertad y la felicidad. El arte de penetrar en las profundidades de los sentimientos humanos y el más fino análisis psicológico, en los que L. N. Tolstoi y F. M. Dostoievski demostraron ser grandes maestros, han alcanzado un florecimiento sin precedentes.

Al pensar en las vías futuras del desarrollo de Rusia, los pensadores progresistas de los años sesenta volvieron la mirada hacia el pasado. En él buscaban encontrar una solución a las leyes del desarrollo social. El interés por la historia encontró expresión en la creación de la grandiosa novela épica de Tolstoi Guerra y paz. Estas tendencias se reflejaron en todo el arte ruso. Los motivos acusatorios penetran en la pintura. Al igual que los escritores y poetas, los pintores mostraban en sus cuadros “no los vicios de los individuos, sino los vicios de la sociedad”. En los lienzos de V.P. Perov, I.E. Repin, I.N. Kramskoy y otros artistas menos importantes denunciaron la avaricia y la glotonería del clero (“Tea Party en Mytishchi”, “Sermon in the Village” de Perov) y condenaron la moral cruel, el soborno y la arrogancia de comerciantes y funcionarios. La pintura de Repin "Transportadores de barcazas en el Volga" se convirtió en un monumento a la poderosa fuerza del pueblo ruso, manifestada en condiciones de trabajo casi inhumano y agotador, y al mismo tiempo en una galería de varios tipos folclóricos. El arte del retrato que se desarrolló en los años 70 (Kramskoy, Repin) mostró la sutil penetración de los maestros de la pintura en la psicología humana. El interés por el tema histórico apareció algo más tarde en V. I. Surikov, quien en los años 80 pintó las pinturas "La mañana de la ejecución de Streltsy", "Boyaryna Morozova", "Menshikov en Berezovo".

La música tampoco se hizo a un lado. Los compositores rusos demostraron una observación sutil y la capacidad de capturar con talento imágenes de la vida de las personas. M. P. Mussorgsky estaba por delante de todos en este sentido. Escenas de la vida popular, impresionantes por su veracidad y precisión, retratos musicales de personas del entorno campesino constituyeron la contribución de Mussorgsky a la música vocal de cámara de los años 60. Entre los fenómenos más destacados de la dramaturgia operística histórica se encuentran sus óperas “Boris Godunov” y “Khovanshchina”. En ambos casos, se muestran períodos de la historia rusa en los que las contradicciones entre la cima y la base de la sociedad se calientan hasta el límite, y el pueblo actúa como una fuerza formidable, como un “océano feroz” (Herzen), aunque sufre severas derrotas. en la lucha por la libertad. L.P. Borodin en "El príncipe Igor" también recurrió a la historia, pero a diferencia de Mussorgsky, no abordó el conflicto social dentro de la sociedad, sino que cantó la unidad, la cohesión y el patriotismo del pueblo ruso ante el ataque de los invasores extranjeros. Junto con esto, la obra de P. I. Tchaikovsky, llena de profundo lirismo y humanidad, se convirtió en un espejo de los complejos procesos que ocurren en el alma de una persona que lucha por la autoafirmación y la felicidad personal.

Así, el foco de atención de las figuras de todo tipo del arte ruso que actuaron en los años 60 y 70 se centró en las personas y las personas. Una persona con su complejo mundo espiritual, con sueños de felicidad, un pueblo oprimido, que sufre, pero que lleva en sí una enorme fuerza moral: estos son los héroes de las mejores obras de esos años. Con una gran variedad de individuos creativos y diferencias en temas y temas específicos, los grandes artistas de la época - Tolstoi y Dostoievski, Tchaikovsky y Mussorgsky, Rimsky-Korsakov y Borodin, Repin y Kramskoy - cada uno a su manera reflejó ciertos aspectos significativos y tendencias históricas de su época. Como vemos, la música rusa estuvo estrechamente relacionada con el desarrollo de todo el arte. Pero a pesar de todo esto, también afrontó sus propias tareas especiales.

Con el auge general de la cultura musical, el equilibrio de poder en el frente musical se volvió muy complejo. Las ideas progresistas se manifestaron de diferentes maneras. A veces surgían desacuerdos dentro del campo democrático, principalmente en relación con los caminos específicos por los que se imaginaba el futuro desarrollo de la música rusa. Para los propios litigantes, sus posiciones parecían irreconciliables, mutuamente excluyentes, y las discusiones que llegaron a la prensa fueron muy acaloradas. Ahora nos resulta claro que los desacuerdos eran a menudo el resultado de la multiplicidad y complejidad de las tareas que la vida misma planteaba a los músicos. Posteriormente, a partir de la coexistencia e interacción de diferentes tendencias, surgió un majestuoso edificio de la música rusa anterior a octubre, que se distingue por su riqueza de contenidos y variedad de estilos compositivos.

En los años 60-70, la principal línea de demarcación discurría entre Anton Rubinstein, la Sociedad Musical Rusa y el Conservatorio, por un lado, y un grupo de compositores liderados por Balakirev y que pasaron a la historia con el nombre de “El puñado poderoso”. ", en el otro.

El "Puñado Poderoso" incluía a cinco compositores conectados por principios creativos comunes: Balakirev, Cui, Mussorgsky, Rimsky-Korsakov, Borodin (en Occidente se les llama los "Cinco"). El heraldo de las opiniones estéticas de los Kuchkistas fue V. V. Stasov (1824-1906), un hombre de enormes conocimientos y temperamento fogoso.

El "Puñado Poderoso", o, como también se le llama, el círculo de Balakirev, fue un fenómeno característico de su época. Como el "Artel de Artistas de San Petersburgo", que luego fue reemplazado por la "Asociación de Exposiciones Itinerantes", como el "Círculo Artístico" de Moscú, que unía a actores, escritores, artistas en torno al Teatro Maly y al dramaturgo A. N. Ostrovsky, fue creativo libre Sobre los principios creativos del "Poderoso Kuchka" educó a muchos compositores de San Petersburgo de la generación siguiente, incluidos Glazunov, Lyadov y otros. En general, la dirección representada por los Kuchkistas y sus alumnos se llamó "Nuevo Musical Ruso". Escuela.") La esencia de las diferencias entre las dos direcciones principales fue la siguiente.

Rubinstein vinculó el exitoso desarrollo de la música rusa con el estudio profesional y la iluminación. (Ya se ha dicho sobre el destacado papel histórico de los primeros conservatorios rusos en la formación de personal musical altamente calificado). Pero al mismo tiempo, las opiniones musicales de Rubinstein eran algo académicas. Si bien admiraba los grandes clásicos del arte musical, subestimó, especialmente en los primeros días de su actividad, la necesidad de desarrollar los principios de Glinka y el estilo musical nacional ruso. Los balakirevistas, por el contrario, priorizaron la continuación del trabajo de Glinka y la lucha por la base popular y nacional de la creatividad musical rusa (como ya se señaló, en los conciertos de la Escuela Libre de Música hubo constante propaganda de las obras de los compositores rusos). . Ésa era la fuerza de las opiniones de Kuchka. Sin embargo, su debilidad se expresó en el hecho de que en su lucha por la libre expresión de la iniciativa creativa de los compositores sobre la base de las tradiciones populares, subestimaron la necesidad de un estudio profesional sistemático y al principio trataron al conservatorio con desconfianza e incluso hostilidad, lo que erróneamente lo consideraban sólo un caldo de cultivo para influencias extranjeras. Las clases en la Escuela Libre de Música consistían principalmente en canto coral y enseñanza de alfabetización musical básica.

El crítico musical y compositor A. N. Serov ocupó una posición independiente en el contexto de los dos grupos principales, los conservadores y los balakirevistas. Si bien abrió el camino con su creatividad hacia nuevas esferas artísticas y contribuyó en gran medida al desarrollo del pensamiento científico y crítico ruso, no se identificó con ninguna de las tendencias dominantes en ese momento. Sus polémicas impresas con Stasov en torno a una serie de problemas musicales, históricos y estéticos contribuyeron significativamente a la expansión de los horizontes creativos y científicos de la música rusa.

Tchaikovsky no se adhirió directamente a ninguna de las tendencias existentes. Tenía muchas cosas en común con los Kuchkistas (por ejemplo, su amor por el folclore, la composición de obras sinfónicas programáticas). Sin embargo, en general, los compositores de “El Puñado Poderoso” y Tchaikovsky tomaron caminos diferentes, aunque siguieron siendo igualmente representantes de las tendencias más democráticas de la música rusa del siglo XIX. Los temas principales en la obra de los Kuchkistas fueron la vida del pueblo ruso, la historia, las creencias y leyendas populares, y la base de su lenguaje musical fueron las canciones campesinas. Tchaikovsky se mostró más plenamente como letrista, y su lenguaje musical se formó sobre la base de una profunda implementación del estilo de canción-romance urbano.

Como ya se señaló, las diferencias entre los representantes individuales del campo avanzado no interfirieron con el avance general de la música rusa, sino que más bien contribuyeron a él. Y hoy damos un lugar digno a cada figura musical y social, a cada movimiento que contribuyó al desarrollo histórico general de la cultura musical rusa en la segunda mitad del siglo XIX.

La creatividad de los músicos de los años 60 y 70 no se limitó a un estrecho marco nacional. Siguiendo a Glinka, los compositores introducen ampliamente temas e imágenes de Oriente en sus obras: escenas polovtsianas en "Príncipe Igor" de Borodin, "Danzas de los persas" en "Khovanshchina" de Mussorgsky, la fantasía para piano "Islamey" de Balakirev, "Scheherazade" de Rimsky-Korsakov. y “Persian Songs” A. Rubinstein, coros y bailes en la ópera “The Demon” y mucho más). Tchaikovsky desarrolla ampliamente temas populares ucranianos en su obra (Primer Concierto para piano, Final de la Segunda Sinfonía, ópera “Cherevichki”, etc.). Elementos folclóricos italianos, españoles, polacos y otros continúan penetrando en la música rusa.

Pero no sólo en la creatividad se manifestaron los vínculos multinacionales de la cultura musical rusa. La apertura de conservatorios permitió a músicos de Ucrania, Transcaucasia y los países bálticos estudiar en Rusia.

El futuro clásico de la música ucraniana N.V. Lysenko estudió en la clase de Rimsky-Korsakov. Posteriormente, en los años 80, el compositor letón J. Vitol estudió con Rimsky-Korsakov. Estos y muchos otros hechos son evidencia de los vínculos cada vez más profundos entre la cultura musical rusa y la música de otros pueblos. El enriquecimiento de la música rusa con imágenes, tramas y medios expresivos de culturas extranjeras amplió sus fronteras y amplió el círculo de oyentes. La grandeza del trabajo realizado por los músicos rusos se hará aún más evidente si recordamos que se realizó en condiciones de constante oposición de los círculos gobernantes de la Rusia zarista, censura y representantes de la prensa reaccionaria. La corte todavía no favorecía la música rusa y apreciaba a los extranjeros de moda. A las óperas de autores rusos les resultó difícil subir al escenario de la Ópera Imperial y, a menudo, se representaban en forma simplificada (un ejemplo típico es la historia de la producción de "Boris Godunov" de Mussorgsky, como antes: "Ruslan" de Glinka y Lyudmila” y “Rusalka” de Dargomyzhsky). La escuela de música gratuita fue sometida a una persecución constante y sufrió pobreza financiera. Ni las conferencias públicas sobre música que Serov comenzó a dar, ni el periódico "Música y Teatro" que publicó recibieron apoyo oficial.

El destino de muchas figuras destacadas fue trágico. Mussorgsky murió prematuramente, necesitado: Balakirev no pudo soportar la lucha constante. Habiendo experimentado una grave crisis nerviosa, en la segunda mitad de su vida se retiró por completo de sus vigorosas actividades sociales y musicales anteriores. Como resultado de enfrentamientos con "mecenas" de alto rango, A. Rubinstein se vio obligado a dimitir de su cargo de director del conservatorio.

Sin embargo, incluso en estas difíciles condiciones, la música rusa continuó desarrollándose por el camino de la nacionalidad y la democracia. El arte musical ruso alcanzó su apogeo en la segunda mitad del siglo XIX. Durante este período, se desarrollaron muchos principios valiosos que formaron la base de la música soviética posterior a octubre. Después de todo, era el futuro lo que preocupaba a todos los artistas progresistas rusos de esa época. “Tocamos grandes temas, y nuestra Rusia natal nos interesa sobre todo por su gran futuro, por el cual queremos trabajar incansable, desinteresadamente y ardientemente” (N. Dobrolyubov).